Después de varios intentos, la narradora logra escribirle una carta a su madre ya fallecida. En ella hace un inventario disperso y afectuoso de su vida actual: sus nuevas costumbres domésticas, el paso de los gobiernos y la actualidad Argentina de los '90s.

En ese repaso, la narradora va reconociendo, ya adulta, la razón de frases y costumbres de su madre que de joven eran un fastidio. Hacia el final, el tono cambia y la narradora confiesa cuestiones más humanas.

Sobre la escritora:

Hebe Uhart nació en Moreno, provincia de Buenos Aires, en 1936, y murió en Buenos Aires en 2018. Estudió Filosofía en la UBA, ejerció como maestra rural y luego como docente universitaria, y fue una figura singular de la literatura argentina: publicó sus primeros libros en los años 60 casi sin repercusión y recién décadas después empezó a ser reconocida como una de las grandes cuentistas del país, al punto de que Rodolfo Fogwill llegó a llamarla la mejor escritora argentina contemporánea.

Su obra, cuentos, novelas breves como Camilo asciende y Mudanzas, y más tarde una serie de crónicas de viaje por pueblos de América Latina, se caracteriza por una mirada atenta a lo mínimo y lo cotidiano, un humor sutil y una lengua coloquial que capta con precisión el habla real de la gente común. Recibió, entre otros, el Premio Konex y el Premio Iberoamericano de Narrativa Manuel Rojas a la trayectoria.

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Que pasa cuando nos morimos? De eso se trata este relato. Un hombre muere de golpe, sentado en una silla, y descubre con sorpresa a la muerte como una enorme decepción: del otro lado no hay ningún misterio, ningún tránsito, ningún otro mundo.

A partir de ahí, el relato sigue al fantasma que en su nueva condición: descubre que sigue "creyendo" tener piernas y brazos por pura costumbre, que puede volar pero no atravesar objetos sólidos, que es invisible pero no incorpóreo.

Sobre el autor:

Enrique Anderson Imbert nació en Córdoba, Argentina, en 1910 y murió en Buenos Aires en el año 2000. Fue uno de los grandes historiadores y críticos de la literatura hispanoamericana, autor de la influyente Historia de la Literatura Hispanoamericana (1954) y profesor en Harvard, donde ocupó una cátedra hasta su retiro en 1980; también fue narrador, con novelas, cuentos y sobre todo: textos brevísimos a medio camino entre la parábola y el cuento fantástico, un formato que ayudó a consolidar como género propio en la literatura en español y que lo convierte, junto a Borges y Julio Torri, en uno de los antecedentes clave del microrrelato hispanoamericano. Libros como El Grimorio y El gato de Cheshire reúnen buena parte de esa producción breve, marcada por el humor, lo fantástico y una curiosidad filosófica constante por los límites de la razón.

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Un texto brevísimo, casi un microrrelato. Una mujer camina por un parque cuando de la nada aparece un muchachito con su misma ropa y la cara pintada de blanco: una máscara sobre la cual, inexplicablemente, se superpone el rostro de ella.

El cuento trabaja con la figura clásica del doppelgänger, el doble fantasmático pero esta vez Valenzuela le da una vuelta particular: el otro no es una amenaza externa que ataca, sino un reflejo; el cuento puede pensarse como una alegoría sobre la identidad femenina.

Luisa Valenzuela (Buenos Aires, 1938) es una de las escritoras argentinas más importantes de su generación y una figura clave de la literatura latinoamericana contemporánea. Hija de la escritora Luisa Mercedes Levinson, se formó desde joven en un ambiente literario que frecuentaban Borges y Bioy Casares. Vivió exiliada en Nueva York durante los años de la dictadura militar y desarrolló una obra —novelas como Cola de lagartija y Como en la guerra, y numerosos libros de cuentos— marcada por la experimentación formal, el humor negro, una fuerte conciencia política y una mirada aguda sobre el poder y el cuerpo, especialmente el cuerpo femenino. Es también una maestra reconocida del microrrelato.Gracias por los likes y por escucharnos,

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¿Ustedes recuerdan algún cuento de hadas que de chicos les haya dado un poco de miedo? Uno de esos clásicos, de los hermanos Grimm, donde alguien termina devorado, o abandonado en el bosque, o con los pies metidos en zapatos de hierro al rojo vivo. Bueno. Guarden esa sensación, porque vamos a hablar de un cuento que nace exactamente de ahí.Imagínense esto. Un día cualquiera, en Núremberg, dos hermanitos entran al cuarto de sus padres y mientras duermen los matan a martillazos. Después salen a la calle y atacan al primer adulto que se cruza.

En otra ciudad. Y en otra. Y en otra. En cuestión de horas es un fenómeno mundial: niños, de cualquier edad, en cualquier país, que sin ningún síntoma previo se levantan una mañana y asesinan a sus padres.

El cuento está narrado por alguien que vive ese colapso desde adentro, en primera persona, como una especie de crónica del fin del mundo.

Para el resto...deberán escuchar el el cuento.

Sobre el autor:

Diego Muzzio nació en Buenos Aires en 1969, estudió Letras en la UBA y hace más de veinte años que vive en Francia, hoy en Le Mans, donde también se licenció en Lengua y Literatura. Empezó como poeta , su primer libro es de 1991, y obtuvo varios premios: el del Fondo Nacional de las Artes y, en el 2000, el Hispanoamericano Sor Juana Inés de la Cruz. Pero donde realmente se puso incómodo y encontró su voz más filosa fue en el cuento: con Mockba (2007) arrancó a mezclar cementerios, epidemias y criaturas fuera de lugar con una prosa quirúrgica, y siguió afilando ese universo en Las esferas invisibles y Doscientos canguros, dos libros donde el amor, la locura y la muerte conviven sin pedir permiso.

En 2022 se animó a la novela larga con El ojo de Goliat —psiquiatría de posguerra, un faro perdido en la Patagonia y una guerra mundial de fondo— y se llevó el Premio Fundación Medifé-Filba; en 2024 se sumó el Konex.

Con esa mezcla de Poe, Lugones, Quiroga y Henry James corriendo por sus venas, Muzzio construye un mundo propio donde lo fantástico nunca es adorno: es la grieta por donde se cuela todo lo que la vida cotidiana prefiere no mirar. También escribió una decena de libros infantiles, así que el tipo puede pasar de degollar personajes a inventar chanchitos parlanchines sin despeinarse.

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Árbol no es una novela de trama sino una colección de textos a medio camino entre la memoria, el ensayo y la observación de la naturaleza, publicada originalmente en Japón en 1992.

El punto de partida es autobiográfico: de niña, el padre de Kōda le regalaba árboles a ella y a sus hermanos, y les enseñaba a plantarlos, a distinguir sus variedades por las hojas, a estar atentos a las plagas y a agradecer con reverencias el trabajo del jardinero. De esa educación temprana nace una relación de amor con el mundo vegetal que la autora cultivó toda su vida.El relato corre el eje de la mirada: los árboles dejan de ser fondo o paisaje decorativo y pasan a ser sujetos con su propia biografía, su propio tiempo y su propia forma de estar en el mundo. Un árbol solitario, sugiere Kōda, no es un objeto mudo sino algo que revela el entorno en el que creció: su historia, sus heridas, lo que lo rodea. Esa mirada trae consigo una idea de tiempo distinta a la humana.

No es casual que el libro haya sido rescatado del olvido gracias a Perfect Days, la película de Wim Wenders: su protagonista, un hombre que encuentra sentido en gestos mínimos y repetidos —fotografiar cada día la luz que atraviesa las hojas, el komorebi—, es un lector de Árbol, y esa cita funciona como una clave de lectura del libro entero: prestar atención sostenida a lo pequeño y lo vegetal como una forma de estar bien en el mundo.

Aya Koda (1904-1990) fue una destacada ensayista y novelista japonesa, hija del célebre autor del periodo Meiji, Kōda Rohan.

Creció bajo la rigurosa disciplina de su padre tras sufrir la temprana pérdida de su madre y de sus hermanos.

Tras un matrimonio fallido y su posterior divorcio, regresó al hogar paterno para cuidar a Rohan en sus últimos años.

Inició su carrera literaria de forma tardía, pasados los cuarenta años, impulsada por el deber de documentar la agonía de su padre.

En 1955 consolidó su prestigio con la novela Nagare (Fluir), basada en su experiencia trabajando en una casa de geishas.

En su etapa madura desarrolló una profunda fascinación por la botánica y escribió Árbol, una delicada meditación sobre los bosques de Japón.

Recorrió el país estudiando la belleza de la naturaleza, la resistencia de la madera y la prevención de desastres forestales.

Décadas después de su muerte, Árbol reflotó globalmente tras aparecer como la lectura del protagonista en la película Perfect Days de Wim Wenders.

El film despertó un renovado interés internacional por su prosa y la impulsó a traducirse por primera vez a varios idiomas.

Hoy en día es recordada como una de las voces más singulares, minuciosas y profundas de la literatura japonesa del siglo XX

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El narrador asiste a un concierto en el teatro Corona, donde la orquesta celebra las bodas de plata de su director, el Maestro. Todo empieza como una crónica social irónica y detallista: el narrador comenta el programa, escucha comentarios de melómanos exaltados, observa a la señora de Jonatán, a las chicas del doctor Epifanía, a Cayo Rodríguez. Él se mantiene distante, casi entomólogo, mirando ese entusiasmo colectivo con curiosidad más que con adhesión. Solo un hombre ciego, sentado cerca, comparte su distancia del fervor general. Cuando empieza la Quinta de Beethoven, esa emoción colectiva se transforma en histeria...Usando al mito griego de las ménades que eran las seguidoras de Dioniso que, en trance ritual, podían despedazar a un hombre Cortázar traslada los rituales de posesión y desmembramiento a un ámbito completamente civilizado: un concierto sinfónico de abono, con señoras melómanas y familias burguesas.Una alegoría sobre la naturaleza de la multitud y el culto al artista. La admiración por el Maestro, alimentada por el prestigio, la ocasión y el contagio emocional, deja de ser apreciación estética para convertirse en un apetito casi religioso que termina por devorar literalmente a su objeto de veneración.

Cortázar sugiere que el fervor colectivo (sea en el arte, en la política o en cualquier forma de idolatría pública) tiene una lógica propia que escapa a la voluntad individual: cada persona, aisladamente razonable, se disuelve en una masa que actúa con una violencia que ninguno de sus integrantes cometería solo.En la vasta obra de Julio Cortázar, lo fantástico irrumpe a través de criaturas extrañas o grietas espaciotemporales; pero a veces, emerge de la pérdida absoluta del control racional en medio de la civilización. "Las ménades", relato incluido en el libro Final del juego (1956), es un testimonio perturbador de este fenómeno. A través de la crónica de un concierto de música clásica que degenera en un frenesí salvaje, Cortázar no solo rinde homenaje al mito griego de las bacantes, sino que traza unacrítica social. El cuento explora la fragilidad de las convenciones burguesas, la histeria colectiva y esa delgada línea donde el arte deja de ser un refugio intelectual para convertirse en una fuerza primitiva, ciega y devoradora.

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El amor de pareja entre Moira y Noval ya no existe: quedó reducido a rencor administrado en pequeñas batallas cotidianas. Pero el amor por su hija sigue intacto, y es el único lazo capaz de reunirlos.

El miedo, en cambio, logra en minutos lo que el amor ya no podía: los hace correr juntos, tomarse de la mano, sostenerse físicamente como una pareja unida. Sin embargo, esa unión nace de una mentira.

Shua muestra así que el miedo compartido puede simular una intimidad que el amor ya no sostiene, pero que esa unión es una tregua artificial, no una cura. Cuando la amenaza desaparece, la pareja vuelve, sin remedio, a la distancia real que los separaba desde el principio.

Ana María Shua nació en Buenos Aires en 1951. Es una de las voces más importantes de la literatura argentina contemporánea y, sobre todo, una maestra del microrrelato: la forma breve donde cada palabra cuenta. Además de cuentista es novelista, guionista y autora de literatura infantil, con obras como Casa de geishas, La muerte como efecto secundario y Botánica del caos.

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Hoy traemos cuento breve pero que pega fuerte: El árbol de cerezo y el silbido mágico, de Osamu Dazai, ese autor japonés que muchos conocen por Indigno de ser humano, el libro que en BookTok se volvió sinónimo de "estoy roto pero con estilo". Pero hoy no van a escuchar a ese Dazai oscuro. Hoy van a escuchar a un Dazai tierno, casi de cuento de hadas.

La historia transcurre en el Japón de principios del siglo XX, una hermana enferma, una carta escondida atada con un lazo verde —como esos hilos rojos del destino que tanto ama el imaginario asiático— y una mentira piadosa que se convierte, sin querer, en la prueba más pura de amor entre dos hermanas.

Osamu Dazai (1909-1948) escritor japonés trágico: familia rica, infancia solitaria, cuatro intentos de suicidio y una adicción a la morfina que lo acompañó toda la vida. Terminó su novela más famosa, "Indigno de ser humano", días antes de morir ahogado junto a su amante.

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