エピソード

  • Imane Ayissi, le grand couturier amoureux du patrimoine textile africain

    Imane Ayissi, le grand couturier amoureux du patrimoine textile africain
    2026/04/25
    Imane Ayissi incarne l'audace et la persévérance. Né à Yaoundé, au Cameroun, c'est un créateur aux multiples talents : danseur, mannequin, écrivain et désormais grand couturier. Il est le premier créateur de mode d'Afrique subsaharienne à avoir intégré le calendrier officiel de la haute couture parisienne en 2020. Une reconnaissance historique qui couronne un parcours atypique, marqué par une passion précoce pour l'esthétique et une curiosité insatiable. L'arrivée à Paris d'Imane Ayissi dans les années 1990 est un choc culturel fondateur. Pour ce jeune homme venu de Yaoundé, la capitale française est une révélation : ses boulevards illuminés, ses maisons de couture, ses cabarets et son énergie créative le fascinent. « C'était bouleversant. Cette lumière, cette énergie parisienne m'ont envoûté », confie-t-il. Paris devient le terreau de sa créativité, un lieu où il puise l'inspiration pour réinventer la mode africaine sur la scène internationale. Autodidacte, Imane Ayissi a appris son métier au gré des rencontres, développant un style unique. Ses créations, célébrées pour leur élégance et leur singularité, mettent en valeur des tissus emblématiques comme le Faso dan fani (Burkina Faso), le bogolan (Mali), le Kente (Ghana) ou encore le raphia, présent dans plusieurs pays du continent. La mode comme langage : quand le corps danse avec le tissu Pour Imane Ayissi, la mode et la danse sont indissociables. Ancien danseur et mannequin, il conçoit le vêtement comme une seconde peau, un prolongement du corps en mouvement. « Le corps bouge, il a besoin d'être enveloppé avec de l'étoffe. Les formes, les couleurs, les volumes... Tout prend sens quand on comprend comment le vêtement épouse le mouvement », explique-t-il. Cette approche sensorielle influence profondément ses créations. Chaque pièce est pensée pour libérer l'expression corporelle, tout en rendant hommage aux techniques ancestrales de tissage et de teinture. Son expertise du corps, acquise sur les podiums et les scènes de danse, lui permet de jouer avec les matières pour créer des silhouettes à la fois fluides et structurées, où tradition et contemporanéité dialoguent. Son engagement va au-delà de l'esthétique : pour lui, le luxe véritable réside dans l'acceptation de soi et la valorisation de son histoire. « Le luxe, c'est d'abord nous-mêmes. C'est le respect de nos racines, de nos matières, de notre patrimoine. C'est de là que vient le respect des autres », affirme-t-il. Une philosophie qui guide chacune de ses collections. Un ambassadeur du patrimoine textile africain Imane Ayissi est bien plus qu'un couturier : c'est un passeur de culture. Son travail met en lumière la richesse des savoir-faire textiles africains, souvent méconnus ou sous-estimés. Pour sourcer ses matières, il parcourt le continent, rencontrant des artisans, visitant des musées et explorant des techniques traditionnelles : « Je me rends sur place, je touche les fils, je vois comment travaillent les équipes. Le dialogue et la chaleur humaine sont essentiels pour créer une matière qui raconte une histoire. » Son processus de création est méticuleux. Une fois les bandes de tissu reçues, souvent étroites (20 centimètres de large) et longues, il les assemble à la main pour composer des pagnes uniques, qu'il transforme ensuite en pièces haute couture. Il sublime la matière brute sans la dénaturer : « Je fais attention à ne pas gaspiller, à respecter les lignes du tissu. Ces étoffes, autrefois portées drapées, je les coupe pour les adapter aux podiums internationaux, tout en leur donnant leurs lettres de noblesse. » Son intégration au calendrier de la haute couture parisienne en 2020 est une double victoire : une reconnaissance pour son talent, mais aussi une plateforme pour promouvoir les tissus africains. À travers ses collections, il présente des pièces en voile de coton mauritanien, bogolan malien ou raphia gabonais, prouvant que l'Afrique regorge de trésors textiles capables de rivaliser avec les plus grandes maisons de luxe. Transmettre pour pérenniser : l'héritage d'Imane Ayissi Pour Imane Ayissi, l'avenir de la mode africaine passe par la transmission. « ​​​​​​​Pourquoi l'Afrique est-elle délaissée ? Son patrimoine textile a toujours existé. Le coton, le raphia, les écorces... Nous devons nous poser cette question : qu'avons-nous fait de notre héritage après les indépendances ? », interroge-t-il. Son combat dépasse le cadre de la mode. À travers des expositions comme Africa Fashion au musée du Quai Branly (jusqu'au 12 juillet), il contribue à l'histoire en mettant en avant des créateurs contemporains tout en rendant hommage à ceux d'autrefois. « ​​​​​​​On ne peut pas parler du présent sans évoquer ceux qui nous ont précédés. Chaque époque compte », souligne-t-il. Selon Imane Ayissi, l'Afrique ...
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  • Cyril Dennery: quand la terre, le feu et l’humain ne font qu’un

    Cyril Dennery: quand la terre, le feu et l’humain ne font qu’un
    2026/04/18
    Les Journées européennes des métiers d’art (JEMA), organisées chaque année en France et en Europe, célèbrent la richesse et la diversité des savoir-faire artisanaux. Parmi ces talents, Cyril Dennery, maître artisan d’art céramiste, se distingue par un parcours atypique où architecture, passion pour la terre et fascination pour la cuisson au feu de bois se mêlent. Pour lui, la céramique est bien plus qu’un métier, c’est un chemin de vie, une quête d’harmonie entre l’humain, la nature et le feu. Originaire de Boulogne-sur-Mer, Cyril Dennery a été diagnostiqué hyperactif dans son enfance. Pour canaliser son énergie, ses parents l’ont inscrit à de multiples activités. C’est finalement les maquettes, notamment celles de trains électriques, qui ont capté son attention. Dès l’âge de huit ans, il passe des heures à construire, démonter et créer, développant ainsi une passion précoce pour la précision et la conception. « À onze ans, j’ai récupéré le train électrique de mon père. Je faisais de l’électronique, des maquettes, je faisais tout moi-même. Ça m’amusait beaucoup », confie-t-il. Cette fascination pour la construction le conduit naturellement vers des études d’architecture. Mais c’est en Angleterre, lors d’un cursus en Art et Design, qu’il découvre la céramique. « J’ai eu un coup de foudre immédiat pour le tour à pied. Pour moi, qui ai un passé de jongleur, c’était un exercice proprioceptif fascinant : tout le corps est engagé, des pieds aux doigts », explique-t-il. La terre devient alors bien plus qu’un matériau : elle est un miroir de son intériorité. « Ce n’est pas la terre en elle-même, c’est l’effet qu’elle produit sur le corps. Travailler la terre, c’est un processus intérieur, une rencontre avec soi-même », ajoute-t-il. Une révélation qui marquera le début d’une aventure artistique et personnelle. Autodidacte et inspiré : l’apprentissage par la passion Cyril Dennery n’a pas suivi de formation traditionnelle en céramique. Son apprentissage s’est construit grâce à des ressources informelles, notamment les vidéos YouTube de maîtres potiers japonais et anglais. « En 2009, YouTube était déjà une mine d’or. Je regardais des vidéos le soir et j’essayais de reproduire les gestes le lendemain », raconte-t-il. Parmi ses influences, les potiers japonais, détenteurs d’un savoir-faire ancestral, et des figures comme Simon Leach, petit-fils du légendaire Bernard Leach, une référence en poterie anglaise. Son parcours d’autodidacte est marqué par une soif de liberté et d’autonomie. « J’avais l’impression que les études me donnaient un cadre disciplinaire, mais j’ai toujours préféré apprendre par moi-même. Aujourd’hui, je partage aussi mes connaissances via ma chaîne YouTube, pour redonner ce que j’ai reçu », souligne-t-il. Cette approche lui a permis de développer un style unique, nourri par des influences culturelles variées et une sensibilité architecturale. « Les céramistes d’aujourd’hui viennent souvent d’autres horizons et c’est cette diversité qui enrichit le métier », explique-t-il. La cuisson au feu de bois : un dialogue avec la flamme Cyril Dennery a choisi la cuisson au feu de bois, un procédé ancestral qu’il a perfectionné au fil des années. Inspiré par les potiers japonais, il a construit son propre four, un outil exigeant qui demande une maîtrise technique et une patience infinie. «​​​​​​​ La cuisson au bois, c’est l’une des plus complexes qui existent. À 1 300 degrés, la cendre fond et crée des effets de verre sur les pièces, un phénomène appelé "taxie". C’est un dialogue entre la science et l’art », détaille-t-il. Pour chaque cuisson, Cyril utilise entre 6 et 7 stères de bois, une ressource qu’il produit lui-même sur une parcelle de deux hectares. «​​​​​​​ ​​​​​​​Je passe un mois par an à bûcheronner. C’est un métier dans le métier, mais c’est essentiel pour moi. La céramique, c’est aussi une connexion à la nature, au bois, à la forêt », confie-t-il. Les cuissons durent 30 heures, organisées en quarts de 6 heures, comme sur un bateau. «​​​​​​​ On ne fait pas simplement du feu, on le conduit. C’est une aventure humaine, où la confiance et la complémentarité avec son partenaire sont cruciales », explique-t-il. Créer pour les chefs étoilés : l’art de s’adapter Depuis quinze ans, Cyril Dennery crée des œuvres d’art mais collabore aussi avec des restaurants étoilés pour créer des assiettes uniques, adaptées à l’univers de chaque chef. « Il n’y a pas de projet sans contexte. Ma formation d’architecte me rend extrêmement sensible à l’environnement dans lequel mes pièces vont évoluer », précise-t-il. Chaque collection est le fruit d’un dialogue avec le chef, une ...
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  • L’art à l’ère de l’intelligence artificielle avec l’univers de Justine Emard

    L’art à l’ère de l’intelligence artificielle avec l’univers de Justine Emard
    2026/04/11
    Jusqu’au 19 avril, la Bibliothèque nationale de France accueille la première édition du festival Noûs, un événement dédié à la création à l’ère de l’intelligence artificielle. Parmi les artistes invités, Justine Emard y présente Le Chant des sirènes, une œuvre qui interroge notre rapport à la technologie, à la mythologie et à la création artistique. Rencontre avec une artiste qui repousse les limites de l’art contemporain. Plasticienne passionnée par l’expérimentation, elle explore depuis plus de dix ans les frontières entre l’humain et la machine, donnant naissance à des univers à la fois poétiques et dérangeants. Pour Justine Emard, l’art n’est pas un simple métier, mais une nécessité vitale, presque un besoin. « Le but dans ma vie, c’est de pouvoir continuer à créer le plus longtemps possible dans les meilleures conditions », confie-t-elle. Cette passion, elle la cultive depuis son enfance à Clermont-Ferrand, bercée par les paysages volcaniques de l’Auvergne et une envie irrépressible d’inventer. Après un baccalauréat littéraire option arts plastiques, elle intègre les Beaux-Arts, puis complète son parcours par un master en conduite de projets culturels. Son approche artistique se distingue par son goût pour l’expérimentation. Dès 2010, lors d’une résidence dans un centre de réalité virtuelle, elle se forme à la création d’univers numériques, au code et aux scripts. « C’était le début de ma plongée dans le numérique », explique-t-elle. Depuis, elle n’a cessé d’explorer de nouvelles technologies : impression 3D avec des bras robotiques, bases de données, ou encore « machine learning ». Pour Justine Emard, l’artiste du XXIe siècle ne crée plus seul, mais en collaboration avec des scientifiques, des programmeurs ou des artisans. « On s’entoure de compétences pour créer quelque chose qui soit au plus juste de notre époque », souligne-t-elle. Le chant des sirènes : quand l’IA devient une entité vivante Avec Le Chant des sirènes, présenté au festival Noûs, Justine Emard plonge le public dans un univers où l’IA n’est pas un simple outil, mais une entité presque vivante. L’œuvre retrace le cycle de vie d’un algorithme : son apprentissage, son autonomie, puis son effondrement. « Au début, ces algorithmes ne savent rien. Puis, petit à petit, ils apprennent à partir des données qu’on leur fournit. C’est comme un nouveau-né qui apprend à marcher ou à parler », décrit-elle, évoquant une émotion presque palpable face à cette évolution. Mais l’artiste va plus loin en intégrant une dimension critique et poétique : celle de l’effondrement. « Si les algorithmes ne sont plus nourris par la création humaine, ils finissent par s’effondrer et générer n’importe quoi », explique-t-elle. Dans Le Chant des sirènes, ce processus se matérialise par une dégradation progressive des images, qui retournent à un état brut de pixels. Un scénario en trois actes – émergence, autonomie, effondrement – qui questionne notre fascination pour la technologie et ses limites. La création de cette œuvre a nécessité un travail minutieux et rigoureux. Justine Emard a collaboré avec Yassin Siouda, un expert basé à Lyon, pour entraîner des modèles d’IA en réseau local, maîtrisant ainsi la consommation d’énergie. « Il a fallu des semaines pour générer les séquences, ajuster les curseurs et détourner le système afin d’obtenir des images qui correspondent à ma vision », raconte-t-elle. Un processus où l’artiste garde le contrôle, guidant l’algorithme pour éviter les biais – comme ces sirènes trop « policées » qui revenaient sans cesse. La sirène : symbole d’une technologie à double visage Pour Le Chant des sirènes, Justine Emard a choisi de s’inspirer d’un mythe ancestral : celui des sirènes. Mais loin de l’image lissée popularisée par Disney, elle a puisé dans les manuscrits médiévaux de la BnF pour retrouver la véritable essence de ces créatures. « Au Moyen Âge, la sirène était une figure effrayante, changeante, parfois mi-femme mi-oiseau. Elle n’avait rien de la créature romantique à queue verte que l’on connaît aujourd’hui », explique-t-elle. Cette exploration des archives lui a permis de dépasser les stéréotypes et de créer des sirènes monstrueuses, presque inquiétantes. « L’IA révèle l’enfoui, ce qui a été oublié ou standardisé. Elle permet de retrouver une esthétique plus brute, plus proche de la mythologie originale », précise-t-elle. Pour Justine Emard, la sirène incarne aussi la dualité de l’intelligence artificielle : à la fois séduisante et dangereuse. « Elle nous attire par ses facilités, mais elle peut aussi nous engloutir. C’est cette ambivalence que je voulais explorer », ajoute-t-elle. L’artiste insiste cependant sur un point : l’IA ne remplacera jamais ...
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  • La passion de Jessica Rodriguez pour l'alpaga comme levier d'émancipation

    La passion de Jessica Rodriguez pour l'alpaga comme levier d'émancipation
    2026/04/04
    Jessica Rodriguez, entrepreneure péruvienne profondément attachée à son héritage culturel, œuvre pour valoriser la fibre d'alpaga. Fondatrice de la marque Anntarah, elle met en lumière les techniques traditionnelles, la richesse textile locale. Elle milite pour l'autonomisation des femmes et la durabilité de cette fibre noble, symbole du patrimoine inca et andin. Son parcours prouve que mode, culture et engagement social peuvent se conjuguer pour bâtir un avenir plus durable. « Investir dans une femme, ce n'est pas investir dans une personne ; c'est investir dans une famille, une communauté entière », assure la fondatrice de la marque Anntarah. Jessica Rodriguez a grandi à Arequipa, dans le sud du Pérou, bercée par les paysages majestueux des Andes et les traditions textiles locales. Dès son enfance, elle est fascinée par les alpagas, ces animaux emblématiques qui gambadent librement dans les montagnes, et par les savoir-faire ancestraux de son pays. « Le savoir-faire au Pérou, est incroyable parce qu'il vient de l'époque des Incas », explique-t-elle. Les artisans péruviens utilisent encore aujourd'hui des techniques traditionnelles, comme les teintures naturelles à base de plantes ou les tricots à la main, pour créer des pièces uniques et colorées. Pour Jessica Rodriguez, chaque création est une œuvre d'art, mais également un hommage à son héritage. Anntarah, le nom de sa marque, évoque le doux son de la flûte andine et incarne la féminité et la beauté des pièces qu'elle conçoit. Ses collections, inspirées par des éléments culturels péruviens comme la danse « marinera nortena » ou les paysages du lac Titicaca, mêlent histoire, géographie et traditions dans un univers riche et vibrant. L'héritage inca, une source d'inspiration intarissable Le parcours de Jessica Rodriguez est marqué par des rencontres déterminantes. Après des études en administration des entreprises, elle part en France dans le cadre d'un échange culturel. Ce séjour à Paris lui ouvre de nouvelles perspectives. « Je suis venue en France pour apprendre le français, mais j'ai découvert un nouveau monde », confie-t-elle. À son retour au Pérou, elle travaille dans une usine de transformation de fibres d'alpaga, où elle est chargée d'accompagner des clients étrangers dans les montagnes pour leur montrer l'habitat des alpagas. C'est lors de ce voyage qu'elle prend conscience de la beauté et de la valeur de son héritage. « La première fois que je suis allée là-bas, je n'arrivais pas à croire à quel point c'était beau. J'ai su alors que je passerais le reste de ma vie à faire quelque chose en lien avec cet héritage », raconte-t-elle. Cette révélation la pousse à créer Art Atlas, une structure spécialisée dans la confection de vêtements en alpaga et coton, puis la marque Anntarah, qui lui permet de partager sa passion avec le monde entier. L'autonomisation des femmes, une priorité absolue Pour Jessica Rodriguez, l'entrepreneuriat ne se limite pas à la création de vêtements. C'est aussi un moyen de redonner du pouvoir aux femmes rurales du Pérou, souvent confrontées à des conditions de vie difficiles. « Il y a beaucoup de femmes au Pérou qui n'ont pas pu finir l'école, explique-t-elle. Je me souviens d'une rencontre marquante dans les Andes, avec une mère de famille qui m'a dit : "J'aimerais bien apprendre à tricoter". » Cette rencontre est le point de départ d'un projet ambitieux : la création de programmes de formation pour les femmes leur permettant d'acquérir des compétences en tricot et en tissage. Ces formations leur offrent une indépendance financière et la possibilité de subvenir aux besoins de leur famille. « Investir dans une femme, ce n'est pas investir dans une personne, c'est investir dans une famille, une communauté entière », souligne Jessica Rodriguez. Grâce à son engagement, elle a également pu construire des écoles pour les enfants défavorisés du Pérou, en collaboration avec des partenaires internationaux. « J'ai montré qu'avec peu de ressources, on peut faire un énorme changement dans la vie de beaucoup de femmes, simplement avec la volonté de leur enseigner à être indépendantes », affirme-t-elle. Préserver l'alpaga, un combat pour l'avenir Comme présidente de l'Association internationale de l'alpaga, Jessica Rodriguez œuvre pour préserver cette fibre unique, dont le Pérou est le premier producteur mondial. « Tout cet amour pour le Pérou, pour notre héritage, m'a amenée à travailler pour toute la chaîne de valeur de l'alpaga », explique-t-elle. Contrairement à d'autres industries textiles, comme celle de la laine de mouton, la filière de l'alpaga reste intégrée et locale, ce qui en fait un modèle de durabilité. Jessica Rodriguez milite pour que cette industrie reste entre les mains des Péruviens et ne subisse pas les mêmes dérives que d'autres filières. « Nous ne ...
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  • Jérémy Pradier-Jeauneau, un designer qui réinvente le collectif

    Jérémy Pradier-Jeauneau, un designer qui réinvente le collectif
    2026/03/28
    Jérémy Pradier-Jeauneau, designer aux multiples facettes, incarne une approche du design français où créativité, patrimoine et collectif se rencontrent. Présent au PAD Paris, le salon des arts décoratifs, du 8 au 12 avril 2026, il y présente des pièces uniques, fruits d'un dialogue entre objets anciens et créations contemporaines. Son parcours, marqué par des influences cinématographiques et une passion pour l'artisanat, interroge la place du designer dans un monde en constante évolution. « Le talent des autres n'enlève rien au mien », clame Jérémy Pradier-Jeauneau, designer et galeriste. Né à Versailles, il a grandi dans un environnement où l'histoire, le patrimoine et les savoir-faire occupent une place centrale. Cette influence marquante a forgé sa sensibilité artistique et son attachement à la transmission. Jeune adulte, il se tourne vers Paris pour explorer sa passion pour l'art et le cinéma, un univers qu'on lui présentait comme inaccessible. Pourtant, Jérémy Pradier-Jeauneau en fait son métier, découvrant très tôt la force du collectif, une leçon apprise sur les plateaux de tournage. Comme il le souligne, un film repose sur l'orchestration de talents variés, et cette dynamique collaborative devient une philosophie de vie. Sa grand-mère, figure importante dans son parcours, lui a inculqué une conviction fondatrice : « Le talent des autres n'enlève rien au mien. » Cette idée, qu'il applique aussi bien dans le cinéma que dans le design, guide ses choix et ses collaborations. Après une expérience comme producteur junior, il ouvre en 2014 un stand aux Puces de Saint-Ouen, marquant le début d'une nouvelle aventure où il mêle intuition, dialogue entre les époques et défense de talents émergents. Le design comme dialogue entre passé et présent C'est aux Puces de Saint-Ouen que Jérémy Pradier-Jeauneau affine son approche du design, qu'il aborde comme un terrain de jeu où se croisent histoire et contemporanéité. Son parcours d'antiquaire lui permet de développer une identité singulière, fondée sur l'art de faire dialoguer des pièces anciennes – comme celles de Pierre Guariche ou Charlotte Perriand – avec des créations d'artistes émergents. Cette démarche, à la fois esthétique et conceptuelle, séduit rapidement clients et presse. Pour lui, le design n'est pas seulement une question de forme ou de fonction, mais un moyen d'interroger notre époque à travers le prisme du patrimoine. Son travail, souvent qualifié de « bourgeois » en raison de ses références classiques (sofas, consoles, fauteuils), dépasse pourtant les codes traditionnels. Il y intègre des questionnements personnels, des doutes et des réflexions sur le monde actuel, transformant chaque pièce en un récit. Son processus créatif, intuitif et collaboratif repose sur des échanges constants avec des artisans, dont le savoir-faire est essentiel pour donner vie à ses idées. L'artisanat au cœur de la création : entre transmission et lâcher-prise Jérémy Pradier-Jeauneau insiste sur l'importance des artisans dans son travail. Bien qu'il se définisse comme un « jeune designer » encore en exploration, il reconnaît ne pas maîtriser lui-même les techniques de fabrication. Son talent réside plutôt dans sa capacité à transmettre ses intentions avec précision tout en acceptant une part d'interprétation de la part des artisans. Cette collaboration, qu'il compare à la relation entre un réalisateur et son équipe, est au cœur de sa démarche. Par exemple, son partenariat avec un atelier de céramique lui permet d'explorer de nouvelles matières et formes, prouvant que la création naît souvent d'une alchimie entre vision artistique et expertise technique. Pour lui, le design est une « épreuve d'humilité » : il faut composer avec la fonction, dialoguer avec les contraintes et parfois s'y soumettre. Cette approche, nourrie par son expérience cinématographique, fait de chaque projet une aventure collective où le résultat final dépasse souvent l'idée initiale. Entre défis et projets : l'avenir d'un designer aux multiples casquettes Aujourd'hui, Jérémy Pradier-Jeauneau navigue entre plusieurs rôles : designer, galeriste, antiquaire et directeur artistique. Cette pluralité, bien que stimulante, représente aussi un défi, notamment en termes de gestion du temps et d'équilibre entre ses différentes activités. En 2023, après près de dix ans de gestation aux Puces de Saint-Ouen, son travail de designer a enfin pris son envol, avec des collaborations marquantes. Pourtant, il reste conscient des réalités du métier, entre fantasme et précarité, tout en soulignant la beauté de la diversité du design, qui va de l'objet du quotidien à la pièce de collection. Pour 2026, il envisage de recentrer son énergie sur ses propres collections, tout en continuant à défendre les talents émergents. Sa participation au PAD (Salon des...
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  • L'approche autonome et expérimentale de Sandra Resende dans l'art textile

    L'approche autonome et expérimentale de Sandra Resende dans l'art textile
    2026/03/21
    Découvrez Sandra Resende, artiste textile que nous avons rencontré lors de la biennale « De Mains de Maîtres » au Luxembourg. Une édition qui a mis en avant une centaine d’artistes sous le thème : Nature singulière. Sandra Resende, artiste textile résidant au Luxembourg, est née au Mozambique et elle a grandi au Portugal, façonnée par un environnement où l’artisanat familial était central. J'ai grandi entourée de toutes ces traditions et de ce savoir-faire manuel, ce qui est devenu quelque chose de naturel pour moi Sandra Resende évoque ses influences, notamment ses tantes couturières et sa mère pratiquant le crochet. Ces expériences ont profondément influencé son rapport au geste, à la matière et à la création. Sandra Resende a étudié la philosophie au Portugal et a développé une pratique théâtrale à l’université avant de se tourner vers les arts visuels. C'est finalement le textile qui est devenu son moyen d'expression privilégié. « J'ai véritablement commencé ma carrière dans le théâtre », se remémore-t-elle. Son parcours artistique l'a amenée à travailler avec des marionnettes et à explorer le monde des vêtements, cultivant ainsi son goût pour le travail manuel. Une pratique autonome et évolutive Depuis 2018, l’expérimentation textile de Sandra Resende s'est enrichie de techniques telles que le tissage, le crochet et le macramé. « Cela a pris une ampleur particulière avec le Covid », note-t-elle. Le confinement lui a permis de produire davantage de tapisseries et de suivre des cours à distance, ce qui a été un véritable déclic pour elle. « C'est à partir de ce moment que j'ai commencé à prendre les choses un peu plus au sérieux », confie-t-elle. Son engagement dans le monde de l'art s'est intensifié, avec des propositions d'exposition et l'intégration dans un collectif d'artistes textiles au Luxembourg. Sandra Resende privilégie une formation autonome, s'appuyant sur des livres techniques et l'expérimentation personnelle. « J'adore lire sur le processus de création, pas seulement dans le domaine du textile », affirme-t-elle. Son approche curieuse et sa volonté de bricoler ont conduit à une intégration harmonieuse de différentes techniques dans ses tapisseries. Même sans diplôme, elle a suivi des workshops avec des artistes et artisans au Portugal pour approfondir ses compétences. Elle relie ses expériences passées, telles que la poésie, la musique et le théâtre, à ses créations textiles. « J'ai trouvé dans les arts textiles un moyen de m'exprimer », déclare-t-elle, soulignant que son parcours alimente sa créativité. « J'écoute beaucoup de musique et je lis énormément de poésie, et tout cela nourrit mon travail. » Pour Sandra Resende, chaque pièce est une extension de sa personnalité et un moyen de transmettre ses pensées et ses goûts. Un engagement éthique et responsable Sandra Resende privilégie les matériaux naturels, notamment la laine, et réutilise des fibres et tissus récupérés pour limiter le gaspillage. « Je souhaite principalement travailler avec des matières naturelles, car elles sont nobles et authentiques »​​​​​​​, insiste-t-elle. Cela fait partie de sa démarche responsable vis-à-vis de l'environnement. Elle collecte des échantillons destinés à être jetés, provenant de magasins, et utilise des morceaux de laine inutilisés donnés par d'autres. «​​​​​​​ J'essaie d'être responsable dans mes achats ​​​​​​​», déclare-t-elle, tout en soulignant l'importance de la responsabilité collective face à l'état de la planète. Au-delà de la technique, Sandra Resende met l’accent sur la dimension expressive de son art. «​​​​​​​ J'ai une approche très intuitive de mon travail », explique-t-elle. Parfois, elle commence par une simple expérimentation, attirée par une matière, et d'autres fois, elle réfléchit à un thème spécifique. «​​​​​​​ Je peux avoir différents points de départ, mais le résultat final n'est pas toujours conforme au croquis initial », précise-t-elle, illustrant sa flexibilité créative. Sandra Resende aborde également les enjeux liés à la valorisation de l’artisanat au Luxembourg. Elle souligne le manque d'écoles spécialisées et l'importance de créer des lieux d’apprentissage pour transmettre les savoir-faire artisanaux. «​​​​​​​ La tradition universitaire au Luxembourg est assez récente », note-t-elle, et elle plaide pour une meilleure éducation dans ce domaine. Elle craint que des savoir-faire anciens ne se perdent à mesure que les jeunes générations montrent moins d'intérêt pour ces métiers qui nécessitent patience et dévouement. Sandra Resende incarne une artiste moderne qui marie tradition et innovation, tout en valorisant le savoir-faire artisanal et des pratiques durables. Son travail est ...
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  • Philippe Moevi et Packoa: tissus, maroquinerie et culture africaine

    Philippe Moevi et Packoa: tissus, maroquinerie et culture africaine
    2026/03/14
    Découvrez Packoa, la marque de maroquinerie moderne de Philippe Moevi. Elle allie cuir et tissus africains, valorisant l'artisanat local et une mode éthique. Une fusion d'élégance et de culture africaine à portée de main. Philippe Moevi, fondateur de la marque Packoa, se consacre à une maroquinerie au design moderne, alliant cuir et tissus africains. Sa passion pour cet artisanat a émergé presque par hasard, et il s'est engagé à collaborer avec des artisans en Afrique. En produisant des pièces en petites séries, il garantit l’originalité de chaque création. « Je ressens une fierté en voyant des gens porter mes produits », déclare-t-il, soulignant son désir de promouvoir l'artisanat africain au-delà de la communauté afro, en touchant un public varié lors de ses expositions. Le nom Packoa vient du mot anglais pack, qui signifie emballer, en lien avec sa production de sacs à dos. Le « oa » fait référence à l'Afrique de l'Ouest, sa région d'origine, créant ainsi un lien harmonieux dans le nom de sa marque. Philippe Moevi, originaire du Togo et ayant grandi à Lomé, a étudié en France avant de se lancer pleinement dans la maroquinerie en 2022, valorisant ainsi le cuir et les tissus africains. Valorisation des savoir-faire africains et engagement durable Philippe Moevi est particulièrement attentif aux conditions de travail des artisans locaux. Son engagement pour la valorisation de l’artisanat africain s'est intensifié après avoir été touché par l’histoire d’un maroquinier sénégalais qui aspirait à un avenir meilleur en Europe. « Ce maroquinier, qui avait du mal à s'en sortir au Sénégal, aspirait à un avenir meilleur. Nous lui avons demandé s'il serait prêt à rester s'il recevait de l'aide et il a accepté. Cela montrait clairement que sa motivation était économique. Il a mentionné que son rêve était d'avoir son propre atelier à Dakar et sa propre boutique pour commercialiser ses créations », raconte Philippe, révélant ainsi les défis économiques auxquels font face de nombreux artisans. Afin d'éviter que ces talents ne quittent leur pays, Philippe Moevi met en avant le savoir-faire africain. Après le Sénégal, le fondateur de Packoa installe sa production dans un atelier au Maroc et source ses tissus en Afrique, principalement au Mali. Ses choix de matériaux, comme le coton bio utilisé pour le bogolan, témoignent de son engagement envers une mode durable. « Je m'assure que tout est fait dans le respect d'une certaine éthique et de bonnes conditions de travail », assure-t-il, soulignant l'importance de la transparence dans la chaîne de production. Le bogolan, un tissu traditionnel fabriqué à partir de coton brut et teint naturellement avec des décoctions à base de plantes, est particulièrement cher à son cœur. Ce tissu, riche en histoire et en symboles, est devenu un élément clé de ses créations, apportant une profondeur culturelle et artisanale à ses sacs. Créativité et innovation au service d'une marque éthique La créativité est au cœur de la marque Packoa, où Philippe Moevi impulse le design de ses produits. Travaillant avec des designers, il allie ses idées et esquisses à leur expertise pour créer des sacs uniques. « J'ai vraiment fourni les esquisses et les idées initiales », explique-t-il. Son approche évolutive l'incite à constamment chercher de nouveaux tissus et designs, tout en diversifiant ses collections. Les réseaux sociaux jouent un rôle crucial dans la promotion de Packoa, permettant à la marque de toucher un public plus large. « Sur les réseaux sociaux, j'ai constaté environ 99,9 % de commentaires élogieux concernant la marque », se réjouit-il. Cette reconnaissance de la communauté afro et d'autres soutient son initiative et renforce son engagement pour l'artisanat africain. Philippe Moevi ressent un véritable soutien de la part de ceux qui voient un Africain se lancer dans la création d'une marque valorisant la culture de son continent. « ​​​​​​​C'est un aspect fondamental que j'ai découvert : ce soutien et cette envie de porter l'Afrique, d'en être fier », souligne-t-il, notant que les jeunes générations expriment aussi un désir de renouer avec leurs racines africaines. Son rôle d'entrepreneur le pousse à s'impliquer dans divers domaines, y compris le marketing. « ​​​​​​​C'est un métier complet qui nécessite d'être impliqué dans de nombreux domaines », conclut-il, affirmant sa passion pour la création et son engagement envers la culture africaine. Ainsi, Packoa incarne une maroquinerie moderne qui allie tradition, innovation et responsabilité sociale, tout en mettant en lumière la richesse culturelle de l'Afrique à travers des créations uniques et élégantes. À lire aussiCandice Aubert-Dhô ou comment une artisane d'art tisse sans métier à tisser ...
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  • Candice Aubert-Dhô ou comment une artisane d'art tisse sans métier à tisser

    Candice Aubert-Dhô ou comment une artisane d'art tisse sans métier à tisser
    2026/03/07
    Candice Aubert-Dhô, est une artisane d’art et une artiste textile engagée, reconnue pour ses œuvres sur mesure qui allient textile, céramique, bois et métal. Originaire du sud de la France, elle a débuté sa carrière dans le secteur de l’édition avant de se tourner vers le tissage à l’âge de 30 ans. Cette pratique, qu’elle a apprise par elle-même, lui a permis de développer une technique unique : tisser sans métier à tisser. Nous l'avons rencontrée à « Oh my laine ! », évènement organisé par Lainamac, une association de la filière laine française. Pour Candice Aubert-Dhô, le tissage est bien plus qu'un simple artisanat : il symbolise « la diversité et l’harmonie, représentant les liens qui unissent l’humanité ». Son travail est le reflet de sa curiosité et de sa quête de sens, transformant chaque création en une démarche artistique. La création d’œuvres d'art peut être intimidante. Comme elle le souligne, « toute œuvre d'art n'existe que par le regard de celui qui l'observe », nourrissant une réflexion sur la perception et l’interprétation. Cette démarche est fascinante, car elle représente un défi personnel qui implique de se révéler à soi-même et aux autres. Candice éprouve également une grande satisfaction à découvrir ses propres réalisations : « Il m'arrive parfois d'être surprise par mes propres réalisations, et j'éprouve un grand plaisir à cela ». Engagement pour la durabilité et des matériaux locaux L'engagement de Candice Aubert-Dhô pour la durabilité se manifeste dans son choix de matières premières. Elle privilégie le sourcing local, traçant chaque matériau qu’elle utilise, que ce soit de la laine mérinos d'Arles ou du lin européen : « ​​​Actuellement, je travaille beaucoup avec des matériaux tels que la céramique, le bois et le métal, expose-t-elle. Ce projet est en phase de démarrage, et toutes les matières sont tracées ». Elle veille à ce que le lin soit d'origine française et la laine sourcée en France. Candice Aubert-Dhô collabore avec des ébénistes locaux de la région de Marseille et de la Camargue, illustrant l'importance des savoir-faire locaux tout en respectant une démarche éthique. Par exemple, elle travaille régulièrement avec Florence Lucchini pour la céramique, soulignant la nécessité d'évoluer dans un circuit court. Elle s'assure également de la provenance des matériaux, en n'hésitant pas à interroger les fournisseurs sur les origines et les pratiques de production. « Il s'agit ainsi de s'assurer que les laines sont françaises ou recyclées et/ou revalorisées, dans un souci de réduire l'impact carbone, en visant la cohérence », souligne-t-elle. À lire aussiMuriel Blanc Duret, une artiste textile engagée dans le tissage Exploration créative et symbolique du tissage La pratique artistique de Candice Aubert-Dhô est marquée par une exploration constante et une recherche de liberté créative. Elle tisse sur des cercles et utilise des structures réalisées sur mesure, ce qui lui permet de développer ses propres techniques : « Je ne possède pas de métier à tisser traditionnel, précise-t-elle. J'utilise des structures que je fais réaliser sur mesure ». Cette approche unique lui permet d’expérimenter librement, chaque pièce étant le résultat d'une errance créative. La symbolique du tissage est centrale dans ses œuvres. Pour Candice Aubert-Dhô, « le fil, c’est du lien, de la rencontre, de l’humanité ». Elle se concentre ainsi sur l'idée des choix qui guident notre existence. « Dans la vie, nous commençons tous, en règle générale, au même point de départ, et les choix que nous effectuons orientent notre existence. » Son expérience avec le tissage reflète cette dynamique de choix et d'errance, où elle se laisse porter par le cours des événements. « Cette notion d'errance fait partie intégrante de ma recherche artistique, car c'est souvent dans l'absence de recherche que je fais des découvertes », confie-t-elle. Candice Aubert-Dhô reconnaît l'importance des rencontres avec d'autres artisans et clients, qui enrichissent son parcours et nourrissent son processus créatif : « Cette avancée fait partie intégrante de mon aventure, et il est essentiel de l'accepter ». À lire aussiL. E Créations, tissages ivoiriens : objets de fierté culturelle Un art éthique et harmonieux Candice Aubert-Dhô propose une démarche éthique, et cherche à créer une harmonie entre l’homme, la matière et la planète : « À l'image de notre humanité, nous cohabitons sur cette planète, tous différents, mais formant un tout ». Sa vision du tissage est empreinte de cette symbolique forte, où chaque pièce devient une unité composée de la laine, des textiles et de la céramique. « Ce processus implique la mise en œuvre de nombreux savoir-faire pour donner naissance à quelque ...
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