エピソード

  • La faïencerie Henriot et le made in France de François Le Goff
    2025/11/01
    Le salon du made in France aura lieu, à Paris, du 6 au 9 novembre prochain. Cette 13ᵉ édition du MIF Expo célèbre la fabrication française. Une belle occasion de découvrir un homme qui incarne la tradition bretonne et le savoir-faire français : François Le Goff, propriétaire de la faïencerie Henriot. Nous avons visité cette Faïencerie installée à Quimper depuis un tiers de millénaire avec son bol emblématique breton au prénom du destinataire. François Le Goff nous raconte comment derrière chaque objet fait main, il y a une histoire, une passion, une tradition. Son parcours témoigne d’un attachement profond à ses racines bretonnes, aux techniques artisanales, et à la transmission de ce savoir-faire aux générations futures. « Tout est fait dans un même bâtiment. Nous n’avons rien d'autre à l'extérieur. Le stockage et la transformation de la matière première pour faire ce que nous fabriquons. Nous façonnons tout. On sèche, cuit, stocke le produit fini et on le vend dans notre magasin d'usine qui est au même endroit », détaille François Le Goff, directeur et propriétaire de la faïencerie Henriot. « Les trois grands postes : la terre, les émaux et les pigments de couleur, parce que la terre, nous sommes obligés de l'acheter à l'extérieur parce que nous sommes en plein centre-ville. Historiquement, c'est ici que la faïence a commencé. Les bâtiments extérieurement sont tous un peu différents au niveau de la structure parce qu’ils ont été construits au fur et à mesure. La faïencerie s'est agrandie dans l'enclave du bâtiment, ils ont rajouté des bâtiments successifs et nous avons six bâtiments de styles différents, parce que c'est au fur et à mesure qu'ils aménageaient un bâtiment, plus un bâtiment, plus un bâtiment. », décrit François Le Goff Né à Paris, mais Breton d’origine, François Le Goff a vécu toute son enfance à Nantes. Cet ingénieur, en 2011, décide de racheter la faïencerie Henriot, alors en liquidation. « C'est quand même bizarre qu'un fleuron de fabrication française s'arrête, c'était dommage et donc nous avons fait une proposition et nous étions les seuls à proposer de continuer l'activité en France. Nous étions, peut-être, un peu naïfs parce que nous n’étions pas du tout du milieu. Je suis de formation ingénieur en électronique, donc rien à voir avec la faïence, rien à voir avec la technique de la faïence. Mais par contre, à partir du moment où on s'intéresse au fonctionnement et qu'on met les mains dedans, ça reste un procédé de fabrication ancestral. Nous n’avons pas des machines ultra-sophistiquées, nous sommes sur des tours qui ont une cinquantaine ou centaines d'années. Cela reste de la mécanique pure. En réfléchissant pour essayer de comprendre comment à l'époque les gens avaient conçu ces machines-là, on arrive à les entretenir, les réparer et potentiellement améliorer quelques systèmes pour que cela fonctionne aujourd'hui. » La démarche de François Le Goff est motivée par un attachement sentimental, mais aussi par la volonté de préserver un patrimoine régional et national. « Mes parents sont bretons à l'origine, mes grands-parents également. Nous venions en maison de vacances, il y avait du Henriot chez nous parce que, en gros, tout Breton a forcément dans sa maison quelque chose en Henriot. Avant les années 2000, on avait besoin d'une assiette, d'un bol, c'était forcément du Henriot parce qu'il n'y avait pas Internet. On ne faisait pas 50 kilomètres pour aller visiter une fabrique de faïence ou autre chose. Cela a vraiment changé. C’est à partir des années 2000, qu’il y a eu le déclin de la faïence, parce que les gens pouvaient acheter à distance. Ils ont pu se rendre compte qu'il y avait d'autres formes, d'autres choses qui se faisaient, la diversité de l'offre fait que, forcément, les Bretons se sont inspirés et sont allés chercher des pièces ailleurs. Ce qui est logique. Et inversement. Et c'est pour ça qu'on a des commandes qui viennent des États-Unis, d'Australie, de Nouvelle-Zélande, parce que les Français expatriés là-bas veulent ramener un petit bout de leur patrimoine." La faïencerie Henriot avec ses 335 ans d’existence fait partie des dix plus anciennes entreprises de France, elle a su traverser les siècles en conservant ses méthodes de fabrication. Installée en plein cœur de Quimper, ses ateliers sont remplis d’un savoir-faire notamment dans la maîtrise des formes et la décoration à la main, comme celui de son bol iconique en céramique blanche au motif folklorique et prénom du destinataire. Un souvenir incontournable de la Bretagne. « Le bol, il y en a partout ! Mais, il faut bien différencier le bol qui est 100 % fabriqué à Quimper, à la main, du bol fabriqué à la chaîne à la fois en Chine, au Portugal et même maintenant en France. Il y a des usines qui se sont implantées en ...
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  • Jacquie Atandji, une créatrice qui valorise l’artisanat africain et la mode
    2025/10/25
    Aujourd’hui, nous vous emmenons à la rencontre d’une femme passionnée, Jacquie Atandji, créatrice togolaise. Son travail incarne la richesse de l’artisanat africain. Bijoux, accessoires et vêtements à travers ses créations, elle veut contribuer à moderniser la mode africaine tout en valorisant son histoire. Son parcours voit la beauté dans la tradition, tout en la rendant moderne et accessible à tous. Nous l’avons rencontrée lors du Yas FIMO228 à Lomé, un évènement mode organisé par Jacques Logoh. C'est une bouffée d'oxygène, une thérapie. La création, je crois que cela prend tout mon temps, enfin 90% de mon temps. Mais comme c'est une passion, je n'ai pas l'impression de travailler. Cela fait partie de moi, je ne me pose pas de questions ! Jacquie Atandji, fondatrice de Jacquie Créations. Je me lève, je me mets au travail. Ce que j'ai rêvé la nuit, j'essaye de le créer ou ce à quoi j'ai pensé dans la semaine ou la veille parce que j'ai vu une forme ou une couleur, ou j'ai vu passer quelqu'un qui a un joli tissu. Enfin, j'essaie de mettre mes inspirations en forme. Jacquie Atandji est une créatrice togolaise reconnue pour ses bijoux et accessoires en matériaux locaux. Autodidacte, elle a lancé sa marque dans les années 2000. D’abord en façonnant des bijoux, puis des sacs, des vêtements et enfin des objets de décoration intérieure. Elle combine son amour de l’artisanat africain et sa vision contemporaine de la mode. Son parcours est marqué par une détermination sans faille qui incarne la force créative de l’Afrique. Ses collections sont dédiées à ses matières préférées. « Je voulais montrer la diversité des tissus qui se trouvent en Afrique en passant par le tissé main, le batik en passant par des tissus plus soyeux, plus luxueux, rajouter une touche de maroquinerie et de bijoux. Il faut que je montre ce que je fais avec la matière qu'on trouve en Afrique, parce qu'on a vraiment de belles matières premières pour la création. J'aime toutes les matières que j'utilise. Je n'aime pas les matières synthétiques. Ma préférence va aux tissés main de différents pays où je vais. Donc, je travaille pas mal les tissés. Mais j'aime aussi le cuir pour le côté luxueux que cela donne aux créations de sacs et de pochettes que je propose. J'aime aussi le bronze parce que je trouve qu'on peut le travailler, le moduler comme on veut. Ce sont mes trois matières de prédilection », souligne-t-elle. Jacquie Atandji a commencé son aventure dans un contexte où la mode africaine était encore perçue comme traditionnelle ou peu adaptée à la vie moderne. Elle a su faire évoluer cette perception en créant des bijoux, sacs et vêtements ainsi que des objets de décoration intérieure qui mêlent savoir-faire ancestral et design contemporain. « Cela s'est fait naturellement parce qu'au début, quand je faisais les bijoux, j'avais toujours des pantalons en wax et j'avais toujours des bouts de tissus qui traînaient. Je ne savais pas quoi en faire, mais je ne voulais pas jeter. À l'époque, j'étais très économe et donc je gardais tous les morceaux. Quand j'ai ouvert ma boutique, j'ai commencé à faire les premiers accessoires en wax parce que j'avais des restants de mes vêtements. Évidemment, au Togo, le wax se porte coupé à la madame et tout le monde me disait : "Qui va acheter ?" Mes amies me disaient : "Jacquie, on veut bien te soutenir, on va acheter des bijoux, mais on ne va pas acheter des sacs et des pochettes en wax." Curieusement, les Occidentales venaient acheter mes sacs en wax, pas les Togolais au départ. Maintenant, cela a changé. Tout le monde porte le wax ! Tout le monde le porte de toutes les façons possibles. Et je pense que c'est aussi parce que nous avons modernisé la façon de couper, de coudre et de le porter. Avant, cela se portait en jupe pagne, plus le haut, plus le troisième pagne que tu mets par-dessus. Maintenant, en wax, il y a des combinaisons, jupes, pantalons, des vêtements modernes, contemporains », explique-t-elle. Son processus créatif est spontané. Jacquie Atandji s’inspire de ses balades sur les marchés, des couleurs, des formes, et de ses voyages, d’une silhouette qui passe. « Je peux très bien tomber sur de la matière première qui me plaît par la forme, la couleur, et puis j'achète. Je me dis : "Ah, tiens, ça, je peux en faire quelque chose." Quelquefois, c'est juste une odeur ou une balade dans un marché qui m’inspire. J'imagine quelque chose que je dessine à l'avance et je sais ce que je veux faire. Mais souvent, je change d'avis en cours de création parce que je peux commencer, donner une autre forme, surtout pour les bijoux. Finalement, je me retrouve avec cinq modèles différents qui deviennent tous des pièces uniques, alors que je voulais faire un collier et la même chose pour les vêtements. Je pars sur une idée et puis, parfois, je pars, je...
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  • Jean-Brieuc Chevalier et son paravent «Mille fleurs» brodé sur bois
    2025/10/18
    Aujourd’hui, métiers d’art et reconnaissance d’un savoir-faire d’excellence avec Jean-Brieuc Chevalier, prix Liliane Bettencourt pour l’Intelligence de la Main, dans la catégorie Talents d’exception. Ce prix distingue un artisan d’art pour la réalisation d'une œuvre résultant d’une maîtrise parfaite des techniques et des savoir-faire des métiers d’art, tout en révélant un caractère innovant qui contribue à l’évolution de ce savoir-faire. Pour Jean-Brieuc Chevalier, ébéniste, marqueteur et brodeur sur bois, cette distinction, plus qu’un aboutissement, est le début d’une nouvelle étape dans sa recherche artistique. Nous l’avons rencontré lors de la présentation de son œuvre primée Mille fleurs. Nous avons la possibilité de faire tout ce que nous voulons, de fabriquer, de construire quelque chose, de pouvoir voir physiquement le travail fait. C'est assez grisant et c'est vraiment unique. Jean-Brieuc Chevalier, ébéniste, marqueteur et brodeur sur bois, fondateur de Jean-Brieuc Atelier. À la fin de mes études, pendant six mois, j'ai cherché du travail et je n'en ai pas trouvé. J'ai mis six mois à monter le projet de mon atelier et le jour où il a fallu remplir les papiers, je n'avais aucune idée de ce que j'allais mettre. Finalement, j'ai mis mon prénom. J'ai eu la chance, j'ai un prénom composé qui n'est pas commun. J'ai mis mon prénom, accolé atelier et puis c'est tout. Né à Brest, Jean-Brieuc Chevalier débute des études de physique-chimie mais, passionné par le bois et la création manuelle, il se réoriente vers l’ébénisterie, CAP, brevet de métiers d’art et diplôme des métiers d’art en poche, il fonde son atelier. Il réalise des pièces uniques en bois avec l’envie d’approfondir d’autres techniques comme la marqueterie et la broderie sur bois. « Nous faisons de l'ébénisterie, marqueterie, broderie, nous avons appris en pratiquant. Ce sont des métiers qui restent encore très cloisonnés, en tout cas dans l'apprentissage. C'est l'héritage des différentes corporations. C'est plus une envie, du désir d'approfondir là-dessus parce que j'ai envie de le faire, j'en ai fait à l'atelier. Plus largement, c'est un métier passion donc il exige tout mon temps, toutes mes pensées. Je me lève le matin, je pense à mon boulot, je me couche le soir, je dors avec mon boulot et toute ma vie, tous les jours de ma vie sont tournés autour de mon boulot. » Jean-Brieuc Chevalier, dans son atelier avec son équipe de huit personnes, associe techniques traditionnelles et recherches. Pour la réalisation de broderies à base de perles de nacre, il conçoit au préalable le dessin de l’œuvre sur ordinateur. Une méthode, sans aucune improvisation, qui lui permet d’obtenir une précision extrême et des motifs complexes. « Tous les décors sont dessinés à l'avance, toutes les perles sont mesurées, tous les trous sont programmés. Nous brodons deux fois. Une première broderie à l'ordinateur où on place toutes les perles une par une, où on dessine tout dans le détail de la broderie. Tout est dessiné et décidé à l'avance. Après, il y a la deuxième broderie. Une fois le panneau percé, nous rebrodons entièrement le panneau. Il y a zéro improvisation. Pour l'instant, je ne fais que des décors qui sont perlés. J'utilise des perles qui viennent du Japon, de la marque Miyuki parce que ce sont des perles qui sont extrêmement calibrées. Et comme nous dessinons tout à l'avance, il faut utiliser des perles bien calibrées, surtout à l'échelle, parce que nous faisons des objets avec 60 000 ou 300 000 perles. Nous ne pouvons pas avoir une perle sur deux qui ne soit pas à la bonne dimension. Il faut que tout soit parfait. » Le prix Liliane Bettencourt pour l’Intelligence de la Main, dans la catégorie Talents d’exception a été décerné à Jean-Brieuc Chevalier, cette année, pour la réalisation de son œuvre intitulée Mille fleurs. Cette marqueterie haute couture est un paravent d’inspiration médiévale avec une profusion de fleurs et de végétaux, d’animaux réels ou imaginaires. Un hommage à la tradition de la tapisserie avec une touche contemporaine. « C'est un grand paravent de 2 mètres 80 de haut par 2 mètres 50 de large. Il est composé de six panneaux. C'est un paysage de fleurs entièrement marqueté dans le fond. Tout le feuillage est en marqueterie de bois avec trois ou quatre bois. Tout est rehaussé de broderie. Il y a une dizaine de fleurs différentes qui forment un peu un parterre. Cela remplit à peu près les deux tiers du paravent, les deux tiers bas et le haut. Le bois évoque l'horizon du paysage. Et au milieu de toutes ces fleurs, il y a des petits lapins qui jouent, se baladent dans le paravent, et notamment, il y a un petit lapin qui rentre dans un terrier et qui, deux panneaux plus loin, ressort du terrier. C'est un clin d'œil à la tapisserie de ...
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  • Adjiwanou Howandé, une créatrice de mode pour les femmes libres
    2025/10/11
    Adjiwanou Howandé est une styliste-modéliste togolaise, basée à Abidjan au Sénégal. Cette diplômée de l’École des Arts et de la Mode à travers sa marque Howandé Création redéfinit l’élégance féminine. Elle conçoit des pièces élégantes et soignées qui célèbrent la force et la détermination des femmes contemporaines. Sa mode exprime l’élégance, la liberté, la sensualité, avec un message fort : encourager les femmes à s’affirmer, à connaître leur propre style et à vivre selon leurs principes. Nous l’avons rencontrée lors du Yas FIMO228 à Lomé. C'est magnifique parce que quand j’arrive à créer quelque chose qui n'existait pas, que je crée mon monde, je crée une petite magie. Adjiwanou Howandé, fondatrice de la marque Howandé Création Le Graal, c'est quand j’arrive à transmettre cette magie aux personnes qui ne sont pas forcément "fashion addict", et qu’elles se sentent heureuses de porter une pièce créée de mes mains. C'est vraiment génial ! Adjiwanou Howandé est une styliste togolaise basée à Abidjan. Née à Lomé, elle voulait être généticienne et a commencé à suivre des études en sciences. Lors des semaines culturelles de sa faculté, elle découvre le monde de la mode, devenue une véritable passion. Elle raconte : « Avant même de découvrir ce milieu, j'avais une frustration en tant que cliente dans les ateliers de couture. Les délais n'étaient pas respectés, mes désirs n'étaient pas respectés. Cela a été un déclic, à ce moment-là, autour de moi, il y a énormément de personnes qui avaient cette même frustration, je me suis dit que cela serait une belle porte à ouvrir. C'est de là que tout est parti. » Après avoir décidé de se reconvertir, Adjiwanou Howandé intègre une école de mode à Lomé, où elle se forme en modélisme et stylisme pendant deux ans avant de lancer sa marque en 2012. Cette créatrice indépendante a une organisation flexible mais efficace. Elle travaille principalement seule depuis ses débuts, privilégiant la création à domicile pour concilier vie de famille et passion. « J'ai démarré modestement, je travaillais beaucoup à la maison. Je suis une maman poule avec mes enfants. Jusqu’à maintenant, je fonctionne comme cela. Je travaille seule, mais quand il y a beaucoup de charge de travail, je prends ponctuellement des ouvriers. Quand il s'agit d'un défilé de mode, je commence par la musique et ensuite le choix des matières. Maintenant, quand il s'agit de commandes personnelles, je commence par discuter avec le client et à faire un croquis pour avoir une idée de sa demande et ensuite par rapport au thème de son événement, je lui fais des propositions parce qu'il s'agit aussi de prodiguer des conseils aux personnes qui ne sont pas du milieu pour mieux les guider », explique-t-elle. La créatrice de mode togolaise voit la mode comme un moyen d’évasion et de transmission de ses valeurs, à l’instar de sa collection : la danse des étoiles. « De l'élégance, du glamour, de la sophistication, de la légèreté, la collection raconte tout cela. Elle raconte qu'une femme peut être libre et élégante dans le monde que nous avons aujourd'hui. Elle raconte qu'une femme peut être tout ce qu'elle veut. Il y a des modèles assez séduisants, mais je ne pense pas vulgaires, sensuels, on va dire. Malheureusement, on parle encore et encore du combat des femmes. Cela n'en finit pas parce qu'on n'arrive pas à en voir le bout, donc on va continuer à en parler. Et j'ai envie de dire qu'une femme a le droit d'être ce qu'elle veut vraiment, d'être libre et de vivre et de se découvrir. C'est vraiment cela le message pour les femmes. Apprenez à vous connaître, découvrez-vous, bien sûr dans certains milieux professionnels par exemple, il faut faire des efforts, il y a des codes à respecter. Bien évidemment, quand on est en société, on respecte les autres. À part cela, découvrez-vous et habillez-vous comme vous le sentez », conseille-t-elle. L’inspiration d’Adjiwanou Howandé provient de sources diverses : la rue, avec ses styles urbains et ses expressions culturelles, ainsi que la nature. Elle utilise aussi des techniques qu’elle a apprises lors de sa formation, telles que le travail de la dentelle, devenue une signature dans ses créations. Elle précise : « Souvent, j’utilise de la dentelle qui est brodée. C'est une broderie qui est populaire, mais j’arrive à agencer plusieurs broderies ou à refaire les dessins de sorte à avoir un modèle personnalisé. Cela demande beaucoup de temps et de patience, mais le résultat est toujours unique et moi, j'adore ! Il faut déjà découper et puis réagencer sur le tissu choisi, de sorte parfois à montrer la peau subtilement à des endroits qu'on a choisis. » Dans son parcours, Adjiwanou Howandé a dû faire face à des difficultés. Les réticences de ses proches face à ses choix ...
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  • L’art de la plume sans limites par Fanny Litzia, artiste et plumassière
    2025/10/04
    Fanny Litzia est plumassière, un métier d’art ancien et méconnu, qu’elle pratique avec passion. Elle travaille principalement sur des tableaux de grands formats et propose des créations sur mesure, notamment dans la décoration et l’art contemporain. Cette artiste a su écouter son cœur, suivre ses passions, et transformer ses rêves en réalité. Innovation, poésie et technique, Fanny Litzia dans son parcours navigue entre ses racines et ses passions, afin d’explorer la matière plume sans limites. En premier, la connaissance des plumes. Dans tous mes tableaux, je peux vous dire du premier coup d'œil à quel oiseau correspond quelle plume. Fanny Litzia, artiste et plumassière. Ensuite, il y a des techniques de montage, par exemple pour faire tout le côté très floral, très végétal, où on oublie la matière plume, il y a une manière de travailler la plume. Il y a des termes techniques, on peut parer, frimater, faire des plumetis, friser, coller. Ce sont des techniques que j'utilise au quotidien dans mon atelier. Née en région parisienne, Fanny Litzia, a grandi dans un environnement où l’engagement social et l’aide aux autres étaient au cœur de sa vie professionnelle. Éducatrice de jeunes enfants, elle a consacré de nombreuses années à accompagner des jeunes, des mamans migrantes, des personnes en difficulté. Parallèlement à sa vie professionnelle, elle est percussionniste et danseuse de samba. Passionnée par le Brésil et sa culture, c’est lors d’un voyage à Rio que tout a changé. « J'ai beaucoup voyagé au Brésil, j'ai vécu à Rio et j'ai défilé au carnaval. Je suis partie pendant six mois. J'ai démissionné pour aller vivre cette aventure. Le carnaval, je ne sais pas si vous l'avez déjà fait, mais c'est magique à Rio. Vous avez des plumes par centaines, par milliers. Ça brille, il y a des couleurs, c'est fou, absolument fou. J'ai complètement eu un coup de foudre sur les plumes. J'ai commencé à faire mes propres costumes de samba. C'est là que j'ai connu la plume, évidemment, les strass, j'ai brodé, j'ai fait des costumes de samba entièrement, pour moi, pour d'autres personnes. C'est comme cela qu'est venu l'amour de la plume », raconte Fanny Litzia. En 2022, elle décide de se reconvertir dans la plumasserie. Elle suit donc une formation spécialisée, apprend à connaître chaque plume, à maîtriser les techniques de montage, de coloration, de création : « En autodidacte, j'avais déjà certaines bases parce qu'il faut une certaine dextérité. Dans la vie, je ne suis ni soigneuse, ni patiente, mais avec la plume, je suis soigneuse et patiente. J'avais déjà cette dextérité parce que j'ai toujours fait des choses de mes mains, à côté de ma vie professionnelle. Mais malgré tout, les techniques de plumasserie, ce sont des choses qu'il faut apprendre. Donc, je me suis formée en formation adulte avec le Greta au lycée Octave Feuillet à Paris, c'est le lycée des accessoires de la mode où on peut apprendre la plumasserie, la fleur artificielle, la broderie, etc. » La maîtrise des techniques de montage, la connaissance des plumes, et la recherche constante de nouvelles formes artistiques permettent à Fanny Litzia de transmettre une dimension émotionnelle et poétique à ses œuvres. « J'ai un carnet où je note les idées, ce qui ne signifie pas que je vais tout de suite les faire, mais régulièrement, je le re-regarde. Mon meilleur moment, c'est soit celui où je m'endors, soit celui où je fais des insomnies. Dans ces cas-là, la machine se met en route et je pense à des trucs, ce sont des flashs. Je note et après, je retravaille dessus au fur et à mesure. Mon cerveau, il fonctionne beaucoup. Au début, je regardais ce que faisaient les autres plumassiers, je ne le fais quasiment plus. Pour une raison très simple, la limite est très ténue entre s'inspirer et copier. Il faut l'intégrer, le digérer et se l'approprier. Ce n'est pas aussi simple que cela. Je vais donc regarder d'autres choses qui n'ont rien à voir avec la plumasserie à partir desquelles je vais m'inspirer. Moi, ce sont les graphismes et les couleurs. Et je suis toujours très fière quand quelqu'un m'achète une création parce qu’ils les achètent pas par besoin, mais parce qu'ils ont une émotion », explique Fanny Litzia. Derrière la créativité, Fanny Litzia doit aussi faire face à la réglementation, notamment la Convention de Washington, qui protège les espèces animales. Elle privilégie donc des plumes issues d’espèces non menacées, teintes avec soin pour respecter l’environnement, précise-t-elle : « Pour l'achat des plumes, on doit respecter impérativement la convention de Washington créée en 1973 et régulièrement mise à jour. Elle répertorie les espèces animales et végétales qui sont protégées à travers le monde, évidemment, les oiseaux en font partie. La plumasserie, malheureusement, a fait ...
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  • Eliette Lesuperbe, une mode à l’identité forte qui rayonne dans le monde
    2025/09/27
    Eliette Lesuperbe est une créatrice de mode passionnée dont le parcours exceptionnel témoigne d'un engagement profond envers l'art, la culture et la transmission. Elle est née en Guadeloupe, mais elle fait rayonner son talent à travers le monde, tout en restant fidèle à ses racines. La passion, la rigueur et le partage ont transcendé les frontières pour cette créatrice de mode qui, à travers ses collections, porte haut les couleurs de ses racines et de sa culture, à l’instar de son défilé lors de l’édition France du Yas FIMO228, organisé par Jacques Logoh, à Paris, samedi dernier. La mode nous permet d'extérioriser des choses et de faire que cela soit beau. Quand nous avons eu mal, cela nous permet de dire j'ai eu mal, mais je peux créer de belles choses, que cela soit quelque chose de posé pour se sentir bien. Eliette Lesuperbe, créatrice de mode de la marque éponyme « Eliette, c'est mon prénom, Lesuperbe, c'est mon nom. Tout le monde me dit que c'est un nom prédestiné, donc la marque, c'est cela. Pour symboliser la marque, j'ai gardé le E d'Eliette, le L de Lesuperbe et le logo, c'est la forme du corps de la femme et le chas de l'aiguille au bout », explique la créatrice. Née à Pointe-à-Pitre, en Guadeloupe, Eliette Lesuperbe a toujours été attirée par l’art et la mode. Dès son jeune âge, elle rêve de créer, d’inventer. Son parcours commence dans un lycée professionnel local, où elle obtient un CAP, puis un BEP en industrie de l’habillement. À 17 ans, elle arrive à Paris pour poursuivre ses études, intègre une école privée de mode, suit une formation de costumière. Avide de découvrir les coulisses de la création, elle fréquente les salons de mode professionnels, tout en travaillant chez Bernard Perris, créateur de mode avant-gardiste. Son talent la mène de Paris à la Jamaïque, mais en 1994, elle rentre en Guadeloupe, et commence modestement. « Il y avait le garage qui était libre et qui avait un accès vers l'extérieur, donc j'ai aménagé. J'ai une petite clientèle, je revenais à Paris de temps en temps et puis quelque temps après, j'ai été repérée grâce à mes vêtements et la Caraïbe a voulu que je vienne, la Jamaïque m'a invitée, raconte Eliette Lesuperbe, J'œuvre avec l'Institut Franco Caraïbes, avec l'ambassade qui m'invite à chaque fois. J'ai eu un Award de leur part. C'est comme cela que les choses se sont enclenchées. Tout en gardant mon identité, ma culture, mon travail parce que ce que j'ai appris à Paris, c'est vraiment ce que j'aime. J'aime l'histoire de l'art, j'aime les tableaux. » Dakar, Montréal, Paris, New York, Eliette Lesuperbe participe aux fashion weeks, reçoit des prix, et collabore avec des artistes. « J'ai fait une collaboration avec un peintre qui s'appelle Antoine Nabajoth, qui est très connu chez nous. Je mélange la peinture et le textile. Un jour, Antoine m'a offert une grande toile. Et quelque temps après, je lui présente un bustier avec cette toile. Cela a été une collaboration artistique. Et autour des bijoux aussi, de temps en temps, quand on arrive à rentrer dans le même monde et que cela se correspond, on arrive à faire des collaborations. J'en fais avec des artistes parce que cela ouvre l'esprit, donne une autre dimension. La mode ne s'arrête pas qu'au textile. Moi, j'utilise pratiquement tout, cela m'inspire », affirme Eliette. Les expériences et rencontres d’Eliette Lesuperbe en Jamaïque, en Afrique ou à Cuba enrichissent sa vision créative. Elle lance sa marque éponyme en 2012, mais elle a plus de 30 ans d’expérience dans le monde de la mode. Son identité artistique, mêlant culture antillaise et savoir-faire français, fait d’elle une figure incontournable au style reconnaissable : « La mode, ce n’est pas simplement la mode. Je suis designer, je fais passer des messages, je soutiens à travers ma marque. Je mets ma culture, mais je mets aussi la qualité du travail, ce que j'ai appris parce que j'aime les matières, j'aime la dentelle, les matières vraiment nobles. À travers mon travail, les gens disent que quand on regarde une pièce, on sait que c'est du Eliette Lesuperbe. Cela veut dire que j'ai une manière de penser, de couper, ils disent "tu as un bon coup de ciseau, tu as des mains en or", ils voient la différence de la manière de penser, la manière dont je vais emboîter, la manière que je vais poser ma pince, de la manière dont je vais rebroder un textile. C'est ma vision, c’est la coupe, mais la créativité aussi. Il y a toujours un petit truc qu'on va retrouver qui m’est propre. » La créatrice guadeloupéenne voit la mode comme un moyen d’émancipation, de confiance en soi et de liberté : « Quand je crée, je peux aller là où normalement, on ne va pas. J’utilise beaucoup de choses. L'imagination est très fertile, je peux me permettre beaucoup de choses. Je crois aussi que dans certains pays, la mode, ...
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  • Artculture, la fonderie d’art de Noufou Sissao et Moussa Ouattara
    2025/09/20
    Pendant la 42e édition des Journées européennes du patrimoine, des lieux magiques, dont certains sont habituellement fermés, ouvrent leurs portes. L’atelier Fonderie ArtCulture de Noufou Sissao et Moussa Ouattara participe à cet évènement. Cette mise en lumière sur l’activité de fonderie d’art à la cire perdue permet à Noufou Sissao, artiste sculpteur-fondeur reconnu, de faire connaitre ses méthodes ancestrales et les technologies modernes qu’il utilise pour réaliser des œuvres d’art. Noufou Sissao est un autodidacte qui a baigné dans les connexions interculturelles. Toutes ses expériences ont enrichi son parcours artistique. Nous sommes allés à sa rencontre dans son atelier en région parisienne. La création, c'est une continuité. Les créations de mes premières sculptures, quand j'avais 17-18 ans, quand je les regarde aujourd'hui, par rapport à ce que je fais, c'est une continuité de la vie. Pour Noufou Sissao, sculpteur fondeur et co-fondateur de la Fonderie ArtCulture, « la culture n'a pas de frontière ». Il est né au Burkina Faso. Très jeune, il a commencé sa carrière dans le théâtre et le cinéma en tant que décorateur. « Entre huit et douze ans, j'étais dans mon village de naissance. Moi, j'aimais la sculpture. Mon rapport de l'enfance était avec le feu. Je voyais le feu, mais je n'avais pas le droit d'exercer ce métier de forgeron de par mon ethnie, dans le village. J'étais dans le quartier des nobles et les nobles n'avaient pas le droit d’être forgeron. Je n'ai pas eu la chance de faire ce métier. J'ai arrêté l'école en classe de troisième et je me suis dirigé dans le cinéma, parce que mon grand-oncle était un acteur fétiche de Peter Brook, le cinéaste, mon grand-oncle Sotigui Kouyaté, très connu dans le monde du cinéma et du théâtre européen et africain, vivait en Europe. Grâce à lui, je suis rentré dans le théâtre. Quand j'ai arrêté le théâtre, il fallait choisir quelque chose qui me plaisait. Le fait d'avoir été interdit dans ce métier m’a conduit à demander, par le biais de mes connaissances, à continuer dans ce métier du feu et je ne voulais pas faire de la forge, forcément. J'ai choisi la sculpture parce que le travail de sculpteur et le travail sur les décors étaient beaucoup plus propices à faire la sculpture. » Il découvre sa passion pour la sculpture et la fonderie au cours de son enfance avec un attachement particulier pour la technique de la cire perdue. « La cire, cela me renvoie à l'enfance. Cette matière qui a un rapport avec le feu. Quand je rentre dans l'atelier, l'odeur de la cire, c'est l'envie d'avoir le rapport avec une matière, avec le feu. C'est cela qui me plaît beaucoup. À chaque fois qu'il y a une nouvelle naissance d'une œuvre, je pense à la cire. C'est une matière dont je ne peux pas m'en passer. C'est pour cela que nous disons "fonte à la cire perdue". Sans la cire, nous ne pouvons rien faire. » Après avoir enseigné le modelage à Paris Atelier et œuvré dans ce secteur, notamment de nombreuses années à la Fonderie Clémenti, Noufou Sissao crée donc en 2017 avec Moussa Ouattara la Fonderie ArtCulture. « Lorsque je suis arrivé, je faisais la navette entre l'Afrique et la France. Puis, je me suis installé en 2007 en France en tant que fondeur d'art. À ce moment-là, j’ai découvert que le métier de sculpteur n’était pas celui de fondeur. Cela m’a sidéré. Pour moi, le sculpteur, il fond, il crée tout. » « Après mon installation, je me suis rendu au Musée du quai Branly afin de découvrir l'art africain que je n'avais jamais vu. C'est un moment qui est resté dans ma mémoire. J'ai été impressionné, et cela m’a encore plus motivé à suivre mon chemin artistique et à être au service des artistes par le biais de la fonderie. » Le processus de création d'œuvres d'art en bronze et les techniques de fonderie, notamment à la cire perdue, illustrent un savoir-faire technique et artisanal en plusieurs étapes. « Un : le moule silicone ; deux : la cire ; trois : le moule de potée ; quatre : la fusion du métal pour couler dans la pièce ; cinq : la ciselure de l'œuvre complète et enfin six : la patine. C’est plusieurs personnes qui travaillent sur une pièce par rapport à la technique ancestrale africaine, où c'est une seule personne qui fait tout le procédé. Ici, nous sommes polyvalents. Joël va faire le moulage, Didier et Pascal, eux, font la ciselure, Karim et Abou le moulage, moule de potée. Moussa lui fait essentiellement la cire. Moi, ma partie essentielle dans la fonderie, c'est la patine, plus précisément la finition de la patine sur l'œuvre. Enfin, tout le monde se rejoint pour la coulée. » Que ce soit pour des projets personnels ou pour répondre à des commandes, la réflexion sur la création artistique, la recherche de l'expression personnelle sont les défis auxquels se ...
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  • Sur le fil de la tôle, Didier Ahadji, artiste soudeur et sculpteur togolais
    2025/09/13
    Didier Ahadji est un artiste togolais, sculpteur de métal. Il fait naître des sculptures à partir de tôles de voitures anciennes récupérées. Une démonstration saisissante d’économie circulaire, de maîtrise du métal et d’imagination. Cet artiste soudeur démontre que l’art peut naître du quotidien et du réemploi. Ses sculptures nous invitent à regarder autour de nous et à être attentifs aux interactions humaines comme autant de sujets universels. Nous avons rencontré Didier Ahadji dans son atelier à Lomé, au Togo, où il vit et travaille, poursuivant son engagement artistique empreint de sincérité, de poésie et de sensibilité sociale. « Quand je rêve la nuit, je crée des choses, grâce à mon imagination. Je me lève pour dessiner, pour écrire quelque chose. Ensuite, le matin lorsque je viens au travail, je vais commencer la création. » Didier Ahadji artiste soudeur togolais, sculpteur de métal. « Un jour, j’ai espéré que les gens s’intéressent à ce que je faisais. » Dès son enfance, Didier Ahadji fabrique des jouets en fer pour lui et ses amis. « Durant mon enfance, c'est tout le temps ce que j'étais en train de faire. J’ai commencé avec des boîtes de conserves de tomate, de sardines. C'est dans mon sang, j’ai toujours aimé cela », raconte-t-il. Durant son adolescence, Didier Ahadji vend ses premières sculptures au grand marché de sa ville natale, Vogan. Jeune adulte, il travaille d’abord comme apprenti puis comme carrossier soudeur à Lomé. Après sa journée de travail, il s’installe dans la rue afin de vendre ses créations aux passants, essentiellement des touristes. C’est là que tout a commencé. « Avant, j’exposais au bord de la route. Quand les gens passaient, ils regardaient. Il y a notamment un Européen qui passait souvent et qui était très intéressé. Il m’a énormément aidé. D’origine allemande, il expose à travers tout son pays. Après cela, j’ai longtemps travaillé avec Monsieur Ogawa. Lui aussi, il expose dans son pays natal, la Chine. Et enfin, monsieur Jean-Yves Augel a également collaboré avec moi, longuement. C'est pourquoi on m’a reconnu à travers le monde entier », explique-t-il. Cet artiste soudeur décide en 1994, à 24 ans, de se consacrer pleinement à la sculpture en utilisant principalement des matériaux recyclés tels que des bidons en tôle et des pièces de voiture. Découpe, soudure et peinture donnent naissance à des sculptures hyperréalistes mêlées de poésie et d’humour souvent inspirées de la vie quotidienne. La tôle de voitures anciennes est une matière première à la fois humble et précieuse. Ce matériel exige aussi une vraie maîtrise technique du métal pour devenir une scène, un décor, une histoire. « Ce qui se passe, c'est cela que je regarde lorsque je marche sur la route. Je regarde partout et notamment au marché. De même, lorsque je commence mon travail, j’imagine et je regarde. Avant, il y avait beaucoup de tôle, ce qui n’est plus le cas maintenant. Aujourd’hui, il est très difficile d’en trouver. Néanmoins, je me promène toujours pour en chercher. Je finirai par en trouver », explique-t-il. À travers les noms évocateurs de ses œuvres comme Déménagement à vélo, Revendeuse de pagnes ou encore Transport scolaire, Didier Ahadji porte un regard plein d’esprit et de sensibilité sur la condition humaine et les enjeux sociaux : « Les gens s’intéressent beaucoup aux choses qui se passent dans la vie quotidienne. Néanmoins, si le client vient avec sa propre idée, son rêve qu’il m’explique clairement, je peux aussi le faire. En coopérant avec lui, je lui fais le dessin au crayon ». Le processus de fabrication des œuvres de Didier Ahadji est rigoureux et pensé en plusieurs étapes. D’abord la découpe, ensuite la pose de mastic, puis le ponçage et l’application d’une peinture acrylique, et enfin le décor avec des motifs rappelant les vêtements des personnes représentées. Tout cela demande patience et précision, la sculpture n’est pas instantanée, elle est bâtie pas à pas. « Le processus de création entier d’une sculpture va prendre trois ou quatre semaines. On commence par faire le mastic, puis le ponçage, la peinture intérieure, la teinte, et enfin on va décorer la chemise ou bien le pantalon », confie-t-il. En parallèle de ses créations, Didier Ahadji n’a jamais cessé d’effectuer des travaux de carrosserie. Il a ainsi formé de nombreux apprentis. Toutefois, même si la diffusion du savoir demeure un enjeu et un défi, ses créations artistiques sont, selon Didier Ahadji, un don qu’il ne peut transmettre. « J’ai eu beaucoup d'apprentis, plus de 30 personnes. La plupart sont partis. Pour les sculptures, il a été difficile de léguer mes connaissances. Lorsque tu n'as pas de sagesse, de patience, que tu es avide d’argent, tu ne peux pas faire ce ...
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