『Carne de cine』のカバーアート

Carne de cine

Carne de cine

著者： Onda Cero Podcast
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2026年5月12日まで。4か月目以降は月額1,500円で自動更新します。

概要

 Carne de cine es un podcast sobre cine español presentado por la periodista y crítica María Guerra. A través del análisis de diez películas icónicas, el programa se pregunta cómo han envejecido, si todavía nos representan y qué explican hoy sobre la sociedad española. Cada episodio revisita títulos clave del cine español para conectar la ficción con los grandes debates colectivos: identidad, poder, corrupción, paro, violencia machista, memoria histórica, humor o transformaciones sociales. Películas que marcaron generaciones y que siguen dialogando con el presente. Con un enfoque riguroso, divulgativo y accesible, Carne de cine combina análisis cinematográfico y mirada social, con la participación de voces del periodismo, la cultura y la creación que ayudan a entender por qué estas historias siguen siendo relevantes. Un podcast para escuchar el cine español como espejo de lo que fuimos, de lo que somos y de lo que todavía estamos intentando comprender. Porque todos, de una forma u otra, somos carne de cine.@2026 Atresmedia Radio. All Rights Reserved. アート
エピソード
  • Carne de cine 1x10: Te doy mis ojos

    Carne de cine 1x10: Te doy mis ojos
    2026/04/16
    Representar en la ficción la mayor lacra de nuestra sociedad es arriesgado. Bollaín se lo hizo con la violencia machista, mirando directamente a los ojos del maltratador. Te doy mis ojos (Icíar Bollaín, 2003) es una de las películas más incómodas y necesarias del cine español: un retrato cotidiano —sin golpes de efecto— de cómo opera la violencia machista dentro de una relación y de cómo el entorno familiar, los prejuicios y el miedo pueden sostener el silencio durante años. En este episodio de Carne de cine, el foco no está en “el caso” sino en el mecanismo: control, aislamiento, vergüenza, dependencia económica y un amor confundido con posesión. El capítulo arranca con un testimonio real, el de Sara García, que pone palabras a lo que la película muestra con precisión: el maltrato no empieza de golpe, se instala poco a poco; primero celos, luego control, después humillación, y finalmente la agresión abierta. Se recuerdan también cifras que contextualizan la magnitud del problema y una realidad clave: la mayoría de mujeres que sufren violencia no denuncia. A partir de ahí, el episodio vuelve a 2003, cuando la violencia de género empezaba a romper el silencio social y la película llegó como un calambrazo. Te doy mis ojos no se limita a contar la historia de Pilar: mira a la hermana que sostiene, a la madre que minimiza y reprocha, al hijo que lo presencia, y también al agresor, Antonio, sin convertirlo en un monstruo ajeno, sino en un hombre atravesado por la ira, la vergüenza y una cultura de dominación que él mismo normaliza. Esa complejidad —nada maniquea— es una de las claves de su impacto. Un joven espectador (Carlos, 25 años) revisa la película desde el presente y señala algo esencial: la violencia no es solo física, también es psicológica, y se cuela en la normalidad a través de frases, bromas, silencios y complicidades. Desde ahí, el episodio abre el debate sobre el papel de los hombres: no basta con “no ser”, también hay que intervenir, corregir, no reír la gracia y denunciar cuando toca. La conversación se enriquece con dos supervivientes de generaciones distintas, Sara y Rosalía, que reconocen en la película patrones exactos: el “infierno” que empieza al cerrarse la puerta de casa, el aislamiento, el miedo, la dependencia y la pregunta cruel que siempre cae sobre la víctima (“¿por qué aguantaste?”). También se aborda un elemento muy adelantado a su tiempo: los grupos de terapia para maltratadores, aún hoy excepcionales y de eficacia limitada, frente a la importancia decisiva de las terapias para las mujeres. Por último, una abogada especialista en violencia de género aporta perspectiva: la película clavó el retrato de la víctima y, a la vez, señaló una gran asignatura pendiente del sistema —la reeducación real del agresor—, además de advertir sobre un peligro que hoy es mayor: el control a través del móvil y las redes, normalizado entre adolescentes como “prueba de amor”. Un episodio que defiende el cine como herramienta de visibilización y prevención: porque el maltrato vive cerca, cuesta detectarlo, y necesitamos relatos que expliquen los matices… y también relatos que recuerden lo fundamental: se puede salir, se puede empezar de cero. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices
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    25 分
  • Carne de cine 1x09: Huevos de oro

    Carne de cine 1x09: Huevos de oro
    2026/04/09
    Las modas vienen y van. Y el chonismo, también. Bigas Luna, con sus Huevos de oro, criticó el machismo de los 90 y reivindicó una estética que hoy está en pleno auge. Huevos de oro (1993) es una radiografía feroz del “macho ibérico” de los 90: ambición sin freno, machismo, dinero rápido y un país entregado al pelotazo. En este episodio de Carne de cine, María Guerra revisita la película de Bigas Luna para entender por qué su mirada sigue incomodando y, sobre todo, cómo la estética —lo choni, lo hortera, lo excesivo— funciona aquí como discurso político. El capítulo sitúa la historia en una España atravesada por crisis económica, paro alto, Banesto y el espectáculo mediático, mientras se consolidaba una cultura del exceso encarnada por nuevos ricos y personajes que convertían la testosterona en noticia. En ese caldo de cultivo aparece Benito González (Javier Bardem), un constructor que sueña con levantar el edificio más alto de Benidorm y está dispuesto a pisar a todos —mujeres, socios y políticos— para conseguirlo. A través de una joven espectadora que ve la película hoy, el episodio lee Huevos de oro como un retrato brutal del machismo cotidiano y de la transformación del cuerpo y la apariencia cuando llega el dinero. Y da un paso más: dos estilistas de generaciones distintas analizan cómo Bigas Luna fue precursor de una estética que entonces se despreciaba y que hoy se ha normalizado y reapropiado en la música, la moda y las redes sociales. El “nuevo rico” necesita que se note; lo visible se convierte en identidad. La conversación se abre también a la ciudad y al ladrillo: con un urbanista, el episodio mira a Benidorm como escenario cinematográfico y como paradigma del desarrollo turístico masivo, con sus contradicciones, sus excesos y su eficiencia inesperada. Porque en Huevos de oro el edificio es más que un edificio: es símbolo de poder, de competición y de una idea de éxito que lo invade todo. Un episodio para volver a una pregunta central del cine español de Bigas Luna: si la política también se escribe con estética, ¿qué dice de nosotros la sed de “tenerla más grande”, en el negocio… y en la vida? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices
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    24 分
  • Carne de cine 1x08: El crack

    Carne de cine 1x08: El crack
    2026/04/02
    Frente a la idea de la Transición modélica y ejemplar, Garci retrató los bajos fondos de una sociedad que empezaba a despertar del yugo franquista. El Crack (1980) traslada el cine negro a la España de la Transición para mostrar la cara oscura de un país que intenta recomponerse. En este episodio de Carne de cine, María Guerra revisita la película de José Luis Garci para explorar cómo el noir español retrata corrupción, miedo y desengaño en los primeros años de la democracia. La cinta sitúa al detective Germán Areta (Alfredo Landa) en un Madrid turbio donde los poderosos permanecen intocables y las cloacas del Estado aún susurraban desde las sombras. Partiendo del contexto histórico —de la muerte de Franco al golpe del 23-F— el episodio analiza la estética de Garci: la influencia del cine negro americano, la atmósfera opresiva y la mezcla de lo castizo con lo heredado de Hollywood. A través del testimonio de una espectadora joven y las voces de una abogada, un politólogo y comisarios culturales, el capítulo discute por qué El Crack no es sólo un homenaje estilístico sino una radiografía social: la culpa masculina, la vulnerabilidad de las mujeres, la impunidad de las élites y la nostalgia ambivalente de una transición incompleta. También indaga en por qué el cine puede evocar más verdad que el reportaje: porque sabe recrear la sensación de desasosiego que vivió aquella época. Un episodio para entender cómo el cine español del inicio de la democracia usó el género para nombrar lo que no se decía en los telediarios: la opresión heredada, la corrupción soterrada y la soledad del antihéroe. Tras escucharlo, el oyente podrá ver El Crack como un espejo del momento histórico y como una pieza clave para comprender la evolución estética y política del cine español. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices
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    24 分
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