• Urmas Sisask
    2026/09/10
    Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 9 de septiembre de 1960 nacía el compositor y director de orquesta estonio Urmas Sisask. Sisask compuso música religiosa y sacra contemporánea, inspirada en el canto gregoriano y en la astronomía, particularmente en los movimientos y trayectorias de los planetas del sistema solar. Su estilo se caracteriza por un marcado pulso rítmico, el uso de armonías tonales y modales, la polifonía y la heterofonía. Sus melodías tienen influencias de la canción folclórica estonia y de la música sacra europea. Sisask creó lo que denominó la «escala planetaria», basada en la escala pentatónica japonesa. Además de su labor como compositor, trabajó como profesor de música y director de coros, y escribió música para teatro y bandas sonoras. A continuación, escucharemos una obra de este compositor: Casiopea, para piano. Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.
    続きを読む 一部表示
    5 分
  • Buddy Holly
    2026/09/07
    Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 7 de septiembre de 1936 nacía en Lubbock, Texas, Buddy Holly, uno de los grandes pioneros del rock and roll. Desde muy pequeño mostró interés por la música y aprendió a tocar distintos instrumentos, entre ellos el piano, el violín y la guitarra. Durante su adolescencia comenzó a presentarse junto a otros músicos y, poco a poco, su estilo fue evolucionando desde la música country y western hacia el emergente rock and roll. En 1955 tuvo la oportunidad de compartir escenario con Elvis Presley, una experiencia que contribuyó a orientar definitivamente su camino musical. Más tarde, en 1957, formó junto a Jerry Allison, Joe B. Mauldin y Niki Sullivan The Crickets, agrupación con la que alcanzaría algunos de sus mayores éxitos. Canciones como “That’ll Be the Day”, “Peggy Sue”, “Oh Boy!” y “Everyday” se convertirían en clásicos y contribuirían a definir el sonido del rock and roll de finales de los años cincuenta. La carrera de Buddy Holly, sin embargo, fue extraordinariamente breve. El 3 de febrero de 1959, cuando tenía apenas 22 años, murió en un accidente aéreo ocurrido en Iowa, mientras se encontraba de gira junto a otros artistas. En el mismo accidente fallecieron Ritchie Valens y J. P. “The Big Bopper” Richardson. A pesar de su corta trayectoria, su influencia trascendió ampliamente su época y alcanzó a generaciones posteriores de músicos. Su manera de componer, interpretar y trabajar con su banda ayudó a establecer una nueva forma de entender el rock and roll. A continuación, escucharemos Everyday, de Buddy Holly y The Crickets. Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.
    続きを読む 一部表示
    5 分
  • Abe Kōmei
    2026/09/03
    Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 1 de septiembre de 1911 nacía en Hiroshima el compositor, violonchelista y director de orquesta japonés Abe Kōmei, una figura especialmente interesante de la música japonesa del siglo XX. Proveniente de una familia vinculada a la antigua tradición militar japonesa, Abe manifestó desde joven un profundo interés por la música. Durante su estancia en Tokio comenzó a estudiar violín y, en 1929, ingresó a la Escuela de Música de Tokio, donde se formó como violonchelista con Heinrich Werckmeister. Estudió además composición con el músico alemán Klaus Pringsheim, discípulo de Gustav Mahler, y dirección de orquesta con Joseph Rosenstock. Esta formación dejó una importante huella en su lenguaje musical, fuertemente relacionado con la tradición clásica y el romanticismo tardío alemán. Durante la Segunda Guerra Mundial, Abe fue reclutado por la Marina japonesa en 1944. Tras el término del conflicto, desarrolló una intensa actividad musical vinculada a la radiodifusión y a la dirección orquestal. Entre 1948 y 1954 estuvo vinculado a la orquesta de la Casa Imperial, experiencia que le permitió profundizar en el conocimiento del gagaku, una de las tradiciones musicales más antiguas de Japón. También fue cofundador de la asociación musical Chijinkai. Su labor se extendió igualmente a la enseñanza. Ejerció como profesor en el Elizabeth Music College de Hiroshima y en la Universidad Municipal de Artes de Kioto, desarrollando una extensa trayectoria docente. Abe Kōmei falleció en Tokio en 2006, a los 95 años.
    続きを読む 一部表示
    13 分
  • Rubén Rada
    2026/08/31
    Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy queremos acercarnos a la figura de Rubén Rada, uno de los músicos más queridos y reconocidos de la música popular uruguaya quien falleció el pasado 26 de agosto. Conocido cariñosamente como el Negro Rada, nació en Montevideo el 16 de julio de 1943. De origen humilde, comenzó a cantar desde niño, vinculado a las comparsas de negros y lubolos del carnaval uruguayo. Desde muy pequeño estuvo ligado a los escenarios. Él mismo recordaba sus primeras experiencias en el Teatro de Verano, uno de los espacios más emblemáticos del carnaval de Montevideo. En ocasiones, cuando las murgas se retrasaban, lo invitaban a subir al escenario. Allí comenzó a hacerse conocido con el apodo de Zapatito. Autodidacta, Rada fue integrando a lo largo de su trayectoria distintas agrupaciones fundamentales de la música uruguaya y rioplatense. Entre ellas destaca El Kinto, agrupación experimental que integró junto a Eduardo Mateo y otros músicos, y que a fines de la década de 1960 exploró la fusión del candombe con la música beat, abriendo nuevos caminos para la música popular uruguaya. Posteriormente vendrían Tótem y OPA, proyectos que profundizaron esa búsqueda y consolidaron a Rada como uno de los grandes creadores de la música uruguaya. A lo largo de su carrera, Rubén Rada transitó por una enorme diversidad de géneros: tango, milonga, murga, plena, cha cha chá, bossa nova y, por supuesto, candombe. Su capacidad para dialogar con distintas tradiciones musicales y, al mismo tiempo, llegar a públicos muy diversos, constituye una de las características fundamentales de su obra. El periodista cultural uruguayo Carlos Dopico ha señalado que Rada logró algo que muchos artistas buscan, pero no siempre consiguen: “abrazar la élite y alcanzar la masa”. Una frase que resume, de alguna manera, la enorme dimensión popular y artística de su música. Su obra es también una expresión de identidad, de mestizaje cultural y de una profunda conexión con las raíces afro-uruguayas. A continuación, escucharemos uno de sus temas más críticos y reflexivos: “¿Quién va a cantar?” Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.
    続きを読む 一部表示
    9 分
  • Marcial del Adalid
    2026/08/27
    Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy viajamos hasta el 24 de agosto de 1826, fecha en que nació en La Coruña, España, el compositor y pianista Marcial del Adalid. Desde muy joven mostró un profundo interés por la música y la composición. Admirador de Frédéric Chopin, viajó a Europa con la intención de ampliar su formación musical y estudió durante varios años en Londres con el reconocido pianista y profesor Ignaz Moscheles. El piano ocupó un lugar central en su producción. Su música refleja la influencia del romanticismo europeo, especialmente de compositores como Chopin y John Field, pero también revela un profundo interés por las tradiciones de su tierra natal. Junto a sus obras para piano, Marcial del Adalid desarrolló una importante relación con la música popular gallega, incorporando en sus composiciones elementos vinculados al folclore y a la identidad cultural de Galicia. Entre sus obras destacan piezas como El lamento, El último adiós y sus Petits riens, pequeñas miniaturas pianísticas que dan cuenta de su sensibilidad romántica y de su particular lenguaje musical. Aunque su obra no alcanzó una amplia difusión durante su tiempo, Marcial del Adalid es considerado hoy una figura relevante dentro de la música española del siglo XIX y un compositor fundamental para comprender el desarrollo de la música gallega. A continuación, escucharemos de este compositor su Serenata para orquesta de cuerdas. Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.
    続きを読む 一部表示
    7 分
  • Jane's Addiction
    2026/08/24
    Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un día como hoy, 23 de agosto de 1988, se publicaba Nothing's Shocking, el primer álbum de estudio de Jane's Addiction. Considerado uno de los discos más importantes en la consolidación del rock alternativo de finales de la década de 1980, el álbum propone una particular combinación de estilos, en la que confluyen el rock, el punk, el metal y elementos de la música psicodélica. Esta mezcla contribuyó a definir el sonido característico de la banda y a proyectarla como una de las agrupaciones más influyentes de su generación. Canciones como "Mountain Song", "Jane Says" y "Ocean Size" se convirtieron en piezas fundamentales de un disco que dejó una profunda huella en la historia del rock alternativo. A continuación, escucharemos Ocean Size, de Jane's Addiction. Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.
    続きを読む 一部表示
    7 分
  • Obertura 1812, Opus 49
    2026/08/20
    Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 20 de agosto de 1882, se estrenaba en Moscú una de las obras más célebres del compositor ruso Piotr Ilich Chaikovski: la Obertura 1812, Opus 49. La obra fue compuesta para conmemorar la resistencia y victoria de Rusia frente a la invasión napoleónica de 1812. Sin embargo, detrás de esta música grandiosa y triunfal existe también una interesante historia de encargos, celebraciones y símbolos patrióticos. La obertura fue escrita para una gran exposición realizada en Moscú en 1882, y su estreno tuvo lugar precisamente en una sala de conciertos construida para esa ocasión. Aunque suele relacionarse directamente con la Catedral de Cristo Salvador, la obra no se estrenó frente a este templo, sino en el recinto destinado a la exposición. Musicalmente, Chaikovski construyó una especie de relato sonoro del conflicto. A lo largo de la obra incorpora melodías religiosas y populares rusas, fragmentos asociados a Francia y, por supuesto, el himno del Imperio ruso, Dios salve al zar, que adquiere un carácter triunfal hacia el final de la composición. Pero hay un elemento que convirtió a esta obra en una de las piezas más reconocibles del repertorio sinfónico: el sonido de los cañones. Estos aparecen en los momentos culminantes de la partitura, reforzando la representación musical de la batalla y conduciendo la obra hacia un final monumental, lleno de campanas, percusión y celebración. La Obertura 1812 es, en ese sentido, mucho más que una obra de carácter patriótico. Es también una demostración del poder de la música para narrar acontecimientos históricos y transformar una batalla, una victoria y la memoria de un pueblo en una experiencia sonora. A continuación, escucharemos la Obertura 1812, Opus 49, de Piotr Ilich Chaikovski, interpretada por la Filarmónica de Berlín, bajo la dirección de Claudio Abbado. Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.
    続きを読む 一部表示
    18 分
  • I Shot the Sheriff
    2026/08/17
    Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 17 de agosto de 1974, el álbum 461 Ocean Boulevard, segundo trabajo de estudio de Eric Clapton, alcanzaba el número uno en Estados Unidos. El disco marcó el gran regreso de Clapton a la música después de varios años de alejamiento de los escenarios, período en el que enfrentó una severa adicción a la heroína. 461 Ocean Boulevard se convertiría así en uno de los trabajos fundamentales de su trayectoria y en un álbum imprescindible del rock de los años setenta. Entre las canciones más destacadas del disco se encuentra I Shot the Sheriff, escrita originalmente por el músico jamaiquino Bob Marley. La versión de Clapton se convirtió en un éxito masivo y contribuyó significativamente a popularizar el reggae entre las audiencias internacionales. El álbum incluye también otras canciones memorables, como Let It Grow, Motherless Children y Mainline Florida. A continuación, escucharemos I Shot the Sheriff, en la versión de Eric Clapton. Les habló Aracely Rojas, y esto fue Acercándonos a Escuchar. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.
    続きを読む 一部表示
    7 分