El xenomorfo puede ser el organismo perfecto, pero su saga está llena de mutaciones, contradicciones y películas muy desiguales. Ismael y Olivier recorren *Alien* desde el terror claustrofóbico de Ridley Scott hasta *Romulus*, pasando por la acción de James Cameron, el fatalismo de David Fincher, las precuelas, los cruces con *Predator* y el debate alrededor de *Alien: Earth*.

También hablamos de H. R. Giger, Ripley, los sintéticos, el terror corporal, los videojuegos y el legado de una criatura que sigue siendo aterradora porque no negocia, no razona y no se detiene.

⚠️ Contiene spoilers de toda la saga. Este episodio tuvo algunas fallas de conexión y variaciones en la calidad del audio; gracias por escucharnos y por la paciencia.

Sigue 35MM y comparte el episodio. ¿Cuál es tu película favorita de *Alien*?

Christopher Nolan convirtió el poema de Homero en una producción monumental, pero ¿el espectáculo visual alcanza para darle vida al viaje de Odiseo?

Ismael y Olivier regresan para una nueva temporada de 35MM recorriendo la filmografía de Nolan, desde Memento e Insomnia hasta Inception, Interstellar, Oppenheimer y finalmente La Odisea. Hablamos del formato IMAX, los efectos prácticos, el reparto, las criaturas mitológicas y la tensión constante entre forma y fondo.

Aviso: este episodio contiene spoilers de La Odisea.

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¿Qué hace un director después de Taxi Driver y Toro Salvaje? Reinventarse durante treinta años más. En esta segunda parte de nuestro especial recorremos la filmografía de Martin Scorsese desde 1990 hasta hoy: la etapa en la que pasó de director de culto a leyenda viva del cine.

Empezamos con Goodfellas, para muchos la mejor película de gánsters de la historia, y seguimos con Cabo del Miedo, La edad de la inocencia, Casino, Kundun y Vidas al límite, la rareza con Nicolas Cage. Con Pandillas de Nueva York arranca la era de Leonardo DiCaprio, que atraviesa El aviador, Los infiltrados —el Óscar que llegó veinte años tarde—, La isla siniestra y El lobo de Wall Street, la película que los incels entendieron mal. Cerramos con Hugo, su carta de amor al cine de Méliès, Silencio, su obra más personal, y el testamento fílmico de El irlandés y Killers of the Flower Moon, donde por fin juntó a De Niro y DiCaprio. Al final hacemos el balance de sus 26 películas y elegimos nuestras favoritas.

Antes de entrar en materia comentamos el estreno de La Odisea de Christopher Nolan y despedimos a Sam Neill, el inolvidable doctor Grant de Jurassic Park.

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¿Por qué Martin Scorsese es el director que más citamos y nunca le habíamos dedicado un especial? Hoy lo corregimos: recorremos la primera era de su filmografía, de su debut en 1967 hasta Cape Fear en 1991, la etapa marcada por Robert De Niro, la mafia italoamericana y una Nueva York que funciona como personaje.

Hablamos de Who's That Knocking at My Door y el descubrimiento de Harvey Keitel, de Mean Streets y la música como sello del director, de Taxi Driver y cómo Paul Schrader escribió su guion en quince días al borde del abismo, de Raging Bull y la edición de Thelma Schoonmaker, de El Rey de la Comedia y su influencia directa en el Joker de Todd Phillips, de La Última Tentación de Cristo con Willem Dafoe, del monstruo que es Goodfellas y del De Niro más aterrador en Cape Fear.

Antes del especial compartimos las primeras impresiones de la crítica sobre La Odisea de Christopher Nolan y el debate sobre su casting y su fidelidad histórica.

La próxima semana llega la Parte 2: la era Leonardo DiCaprio, los documentales musicales y los cameos de Scorsese.

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¿Cuántas películas buenas conoces que nadie te recomendó? Olivier e Ismael abren su lista de pendientes: las películas que llevan tiempo queriendo mencionar en el podcast y nunca habían tenido la excusa para hacerlo. El resultado es un episodio sin tema fijo pero con un criterio claro: merecen más atención de la que han recibido.

En el lado de Olivier: el realismo mágico familiar de The Taste of Tea, la claustrofobia de As Above So Below en las catacumbas de París, el duelo en forma de heavy metal islandés de Metalhead, la deconstrucción del terror en The Cabin in the Woods, el stop-motion adulto e incómodo de Anomalisa, las tres historias de amor de Dolls de Takeshi Kitano, las secuencias de acción sin igual de The Raid y la paz contagiosa de Perfect Days. Cierra con la melancolía solemne de Broken Flowers y Bill Murray mirando al infinito.

En el lado de Ismael: Antrum, la supuesta película maldita; el delirante superhéroe italiano de Argo Man; el blanco y negro filosófico de Hard to Be a God; el claustrofóbico Castillo de la Pureza de Arturo Ripstein; Holy Motors y la locura metamórfica de Denis Lavant; Synecdoche New York y el laberinto de Charlie Kaufman; el documental de volcanes de Werner Herzog Into the Inferno; el perturbador Orozco el Embalsamador; Paris, Texas y la película más triste de Wim Wenders; las drag queens del desierto australiano en Priscilla; y el manifiesto punk de SLC Punk.

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¿Se puede llegar al cine sin escuela, sin contactos y sin un estudio gigante detrás? Durante décadas, ser director significaba estudiar, vender plasma como David Lynch o que un tío llamado Francis Ford Coppola te abriera la puerta. Hoy basta un canal de YouTube, un software gratuito y una base de fans. En este episodio, Ismael y Olivier siguen el rastro de los creadores nativos de internet que dieron el salto a la pantalla grande y que, casi todos desde el terror, están devolviendo a los jóvenes a la sala de cine.

El recorrido va de Jorge Pinarello, el de Te lo resumo así nomás, y su película Algo que pasó en año nuevo, a los gemelos Danny y Michael Philippou del canal RackaRacka, que pasaron de tutoriales de efectos a Talk to Me y Bring Her Back con A24 y Sony. En el camino aparecen Nicolás Amelio-Ortiz, el documentalista detrás de ZEPFILMS y de la serie de Disney+ Hay algo en el bosque; Chris Stuckmann, el reseñador que dirigió Shelby Oaks con Mike Flanagan de productor; el inquietante terror analógico de Skinamarink, de Kyle Edward Ball; y la polémica Obsession de Curry Barker, con su lectura sobre relaciones tóxicas, incels y un final que no perdona.

El centro del episodio es Backrooms, dirigida por Kane Parsons cuando tenía 19 años: un universo entero nacido de una foto y construido en Blender que conquistó a A24, a James Wan y a Renate Reinsve, y que convirtió a su autor en el director más joven en alcanzar el número uno en taquilla. A partir de ahí, la conversación se abre a una pregunta más grande sobre el talento sin credenciales, el resentimiento de quienes sí pasaron por la escuela, y por qué Orson Welles, The Substance, Titane y hasta un Hamlet hecho dentro de Grand Theft Auto caben en la misma discusión. La conclusión es simple: vayan al cine, el cine necesita gente nueva.

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Hay objetos en el cine que terminan siendo más interesantes que los propios protagonistas. No se trata del McGuffin clásico, ese maletín de Pulp Fiction cuyo contenido nunca importa, sino de cosas que generan cultos enteros, teorías y videos infinitos en YouTube. En este episodio Ismael y Olivier recorren los objetos que se robaron sus películas.

Arrancan con el caso máximo: el monolito de 2001: Una odisea del espacio de Stanley Kubrick, junto a HAL 9000, una inteligencia artificial que hoy se siente más premonitoria que nunca. De ahí pasan al VHS maldito de El Aro y a cómo la versión japonesa de Sadako fundó toda una estética de terror analógico. Hablan del mono de cuerda de The Monkey, el terror cómico de Oz Perkins; del tablero de Jumanji de 1995 con Robin Williams; y de Samantha, la inteligencia artificial de Her de Spike Jonze que dialoga directamente con Lost in Translation de Sofia Coppola.

El recorrido sigue con el Anillo Único de El Señor de los Anillos de Peter Jackson y Tolkien, el cubo de Lament de Hellraiser de Clive Barker, el DeLorean y el almanaque deportivo de Volver al futuro, y el control remoto de Click, para muchos la comedia más triste de Adam Sandler. Cierran con dos piezas sobre el paso del tiempo y los espacios vacíos: A Ghost Story de David Lowery, donde la casa y la sábana del fantasma son el verdadero personaje, y Backrooms de Kane Parsons, el fenómeno de terror liminal del momento, con su debate generacional incluido.

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¿Qué hace que una película excite? No siempre son las escenas explícitas: a veces basta con la tensión de dos miradas, unos dedos que casi se tocan, o una femme fatale cruzando las piernas ante una sala llena de policías. En este episodio de 35MM, Ismael y Olivier hacen un recuento íntimo y honesto de las películas que los despertaron cinematográfica y eróticamenete, cada uno con su lista personal, sin filtros y sin vergüenza.

Hablan de por qué Basic Instinct de Paul Verhoeven y Sharon Stone se convirtió en un fenómeno generacional del VHS; analizan La pianista de Michael Haneke como exploración brutal de la represión y el deseo; y celebran Y tu mamá también de Alfonso Cuarón como la fantasía de road movie más mexicana que existe. También abordan Eyes Wide Shut, la última obra de Stanley Kubrick con Tom Cruise y Nicole Kidman, y la tensión platónica que Sofia Coppola captura en Lost in Translation con Scarlett Johansson en Tokio.

El listado recorre con igual entusiasmo In the Mood for Love de Wong Kar-wai, donde el erotismo existe en la distancia entre dos cuerpos que nunca se tocan; Irreversible de Gaspar Noé y el magnetismo perturbador de Mónica Bellucci, quien también aparece en Drácula de Bram Stoker de Coppola y en Malena de Giuseppe Tornatore. A eso se suman El graduado de Mike Nichols, Buffalo 66 de Vincent Gallo con Christina Ricci, las brujas de Nicolas Roeg con Anjelica Huston, The Craft, Pulp Fiction, Jennifer's Body y El cocinero, el ladrón, su esposa y su amante de Peter Greenaway, cuyas tomas evocan pinturas de Caravaggio.

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